Una vez más, vuestros melómanos servidores Carrie Kasabian (C.K.) y Luis Alejandro (L.A.) se presentan ante ustedes para hacer lo que es ya la quinta entrega de este ránking de Los 100 Más Grandes Covers de la Historia; canciones originales con su respectivo cover o versión hecha por otro artista. Desde finales de Enero que vamos repasando, en duplas de quince canciones, clásicos inmortales y versiones nuevas que, en ocasiones, superan la trascendencia de la marca de origen. Hoy, corresponden los temas que hemos seleccionado desde el lugar 40 al puesto 26 de este conteo: ajusten sus oídos... que comenzamos.
40.- La Isla Bonita (original de Madonna y cover de Kumbia Queers -"La Isla Con Chicas"-).
C.K.: A pura cumbia villera y con cambio de letra la pasan re bien las Kumbia Queers reversionando a Madonna. Vaya qué isla!
L.A.: Uno piensa en Madonna como una chica traviesa para su época...pero las Kumbia Queers empujaron los límites en su propia isla.
39.- Resistiré (original de Dúo Dinámico y cover de Fiskales Ad-Hok).
C.K.: La canción perfecta contra las adversidades fue potenciada por el punk de los Fiskales Ad-Hok. Sin duda, la canción resistió, los Fiskales resisten y les quedó Ad-Hok la versión.
L.A.: Es lo que siempre digo... cualquier canción suena bien si tiene actitud punk.
38.- Last Kiss (original de J. Frank Wilson & The Cavaliers y cover de Pearl Jam).
C.K.: Eddie Vedder se adaptó sin problemas al drama que cuenta Last Kiss, y Pearl Jam hizo que las nuevas generaciones conocieran este clásico.
L.A.: No sé si hubo un cruce generacional profundo entre quienes conocían el original y los que rayaron con el cover... pero era un buen puente.
37.- Tainted Love (original de Gloria Jones y cover de Soft Cell).
C.K.: Quién iba a imaginar que la versión original sonaba como toda una diva de los 50's, mientras que en los 80's es puro synth-pop para hacerla más pegadiza aún.
L.A.: Y el dato es que la cantaron juntos, en vivo, más de una vez. Pero las intenciones eran distintas en cada interpretación.
36.- Stand By Me (original de Ben E. King y cover de John Lennon).
C.K.: Ya desde la intro John Lennon hizo algo distinto a lo de Ben E. King, y eso demuestra que un cover tenía que estar a la altura de un verdadero genio.
L.A.: Creo que no se le hizo suficiente justicia al cover... quizás porque el bajo del original era insuperable y bien expuesto.
35.- Gimme! Gimme! Gimme! (original de ABBA y cover de Yngwie Malmsteem).
C.K.: Esa alegre melodía pop del original cobró nueva vida con el poder guitarrero de Yngwie Malmsteem. Como él, son pocos los rockeros que reversionan canciones pop. Un acierto.
L.A.: Aunque tengas una tendencia musical muy opuesta, todo músico sueco de los 70's en adelante le debe algo a ABBA.
34.- I Fought The Law (original de Sonny Curtis & The Crickets y cover de The Clash).
C.K.: Si The Clash hizo más popular el tema de Sonny Curtis, eso quiere decir que, más que la ley, fue la canción la que peleó y ganó.
L.A.: Y se volvió todo un himno punk-rock... Sex Pistols, Green Day, Stray Cats (entre otros) hicieron sus propias versiones.
33.- A Little Respect (original de Erasure y cover de Attaque77 -"Un Poco de Respeto"-).
C.K.: Dentro de todos los covers que Attaque 77 hace en su estilo, el cambio en A Little Respect es notable, teniendo en cuenta que el original es synth-pop.
L.A.: ¿Y un punk no puede enamorarse y no ser correspondido, acaso? A mí parecer, Attaque 77 le quitó ambigüedad sexual al tema (aunque ya lo de Erasure no es ambigüedad).
32.- When a Man Loves a Woman (original de Percy Sledge y cover de Michael Bolton).
C.K.: El baladista pop logró hacer que el clásico de Percy Sledge perdurara. Y con esa voz de tenor, el tema le quedó a la perfección a Michael Bolton.
L.A.: Son muy parecidas, pero el toque está en que Michael Bolton cimentó su propia fama y, de paso, contribuyó a que esta canción fuese inmortal.
31.- Burning Down The House (original de Talking Heads y cover de Tom Jones & The Cardigans).
C.K.: Más que cover es una deconstrucción de Burning Down the House. Y más aún con este dueto de voces, la cantante sueca y el Tigre de Gales, una linda voz y un vozarrón.
L.A.: Era difícil ponerse a la altura de los Talking Heads, unos adelantados; pero Nina Persson y Tom Jones hicieron una buena versión en complemento.
30.- Fight The Power (original de Public Enemy y cover de Korn con Xzibit).
C.K.: Korn tomó esta canción hip-hop de la vieja escuela, sumando al rapeo de Jonathan Davis el de Xzibit. Y dejaron en evidencia que no les falta power.
L.A.: Hay que seguir combatiendo al poder; antes, el poder racista... ahora, el poder global.
29.- Girl U Want (original de Devo y cover de Chancho en Piedra -"Calentón"-).
C.K.: Si al cover de Girl U Want le pusieron Calentón, demuestra que Chancho en Piedra supo chilenizar la canción, además de todo su estilo plasmado acá.
L.A.: Esa fue la clave... la de adaptar la letra a nuestro sonido pero sin perder en nada el contexto de la canción.
28.- Take Me Out (original de Franz Ferdinand y cover de Scissor Sisters).
C.K.: ¿Cómo hacer elegante el hit de Franz Ferdinand? Scissor Sisters la supo hacer, con piano y bajándole la intensidad a la canción.
L.A.: Es casi una versión de "jam session", improvisando con amigos (aunque no es fácil tener un piano para improvisar).
27.- Why Can't We Be Friends? (original de WAR y cover de Smash Mouth).
C.K.: Al comienzo ambas suenan en la misma cadencia, pero Smash Mouth le agregó su toque ska, y no podían faltar las voces de acompañamiento en los coros.
L.A.: El original, de relajo y que ha sonado en la saga de Arma Mortal; el cover, es uno de mis favoritos personales y siempre inyecta energía como un buen ska musical.
26.- Te Recuerdo Amanda (original de Víctor Jara y cover de Presuntos Implicados).
C.K.: Te Recuerdo Amanda era muy simple y conmovedora con Víctor Jara, y a la versión de Presuntos Implicados no le falta pasión, gracias a la voz de Sole Giménez.
L.A.: Más instrumentos y efectos que una simple guitarra de un gran trovador, pero no perdió emoción en la española voz de Sole Giménez.
Y sería lo que tenemos que entregarles hasta una próxima edición, que esperamos vea la luz en la última semana de Abril y que tendrá la antesala del Top Ten con las canciones (y sus correspondientes covers) que se encuentran entre las posiciones 25 y 11. Como siempre, comentarios y opiniones son más que bienvenidos en este recuento musical hecho por un par de fanáticos de la música que quisimos darle una variante a una de nuestras pasiones. Sin más que agregar, se despiden vuestros amigos y servidores en la música Carrie Kasabian (C.K.) y Luis Alejandro (L.A.).
viernes, 8 de abril de 2011
martes, 5 de abril de 2011
17 Años sin Kurt Cobain (1967-1994)
Estamos en Abril 5 y pienso en el hecho que marcó a la Generación X hace 17 años, la muerte de Kurt Cobain. Y también recuerdo que este suceso fue reseñado en VH1 para Los 100 Momentos Más Impactantes de la Música, rankeado en el #3 (en este link, su emisión en inglés). No es fácil referirse al líder de una banda que no siento como favorita, pero haré mi esfuerzo para no leerme forzada. Al menos, en estos 17 años ha sido imposible permanecer indiferente ante las canciones de Nirvana, la banda que lideró Kurt. Durante mi adolescencia y hasta ahora sonaron canciones como Lithium, Come As You Are o la reconocida Smells Like Teen Spirit, aunque mi favorita es Heart-Shaped Box. En fin, acá me lanzo con un sentido homenaje al músico.
Un 20 de Febrero nació Kurt Donald Cobain en Aberdeen, Washington, hijo de Wendy Elizabeth y de Donald Leland Cobain; hermano mayor de Kimberly (nacida en 1970). Wendy es de descendencia alemana, irlandesa, escocesa e inglesa; mientras que Donald es de ascendencia escocesa, irlandesa y francesa. La infancia del pequeño Kurt fue muy alegre, entre su fanatismo por los dibujos de los personajes Disney y la crianza musical que le fueron inculcando algunos familiares. Segun su tía Mari, Kurt empezó a cantar cuando tenía sólo dos años. A los cuatro comenzó a tocar piano y cantar, y escribió una canción sobre un viaje a un parque. Sus primeras influencias fueron los Ramones, y las canciones que más le gustaba cantar eran Hey Jude (The Beatles), Seasons in the Sun (Terry Jacks), Motorcycle Song (Arlo Guthrie) y la canción del programa de TV de The Monkees. Pero esa apacible personalidad cambiaría drásticamente cuando Kurt, de ocho años, ve la separación de sus padres. Su crianza de hijo único se alteraría al ver a su padre haciendo pareja con otra mujer, madre de dos hijos, y engendrando a un hijo común, Chad. Esa familia le parecía distante al pequeño Kurt.
La personalidad del niño Cobain se vuelve agresiva, poco sociable, tanto así que fue diagnosticado con síndrome de déficit atencional. Si bien era dado a pelear, nunca fue muy buen deportista, por mucho que su padre y madrastra lo incitaran a formar parte de algún equipo. Prefería pasársela dibujando en las clases, sea algo de anatomía humana o una caricatura de Michael Jackson. En cuanto a la música, en un grupo musical del colegio tocó la batería entre los 10 y los 14 años, sin saber leer música. Una de sus tías le regaló su primera guitarra eléctrica, a los 14, la cual eligió en lugar de una bicicleta. Aprendió en una semana a tocar canciones, 5 horas al día, al tiempo que sentía la necesidad de componer su propia música, porque "aprender la música de otros resultaría demasiado complejo para el estilo personal", según decía. Trató de formar bandas con amigos, tocando canciones de AC/DC y Led Zeppelin, pero en la secundaria esto le resultaba difícil. Hasta que encontró a un devoto del punk-rock con quien podría tocar. Su nombre: Krist Novoselic. Tras años de ensayos, Kurt intentó convencer a Krist para formar una banda, y luego de pensarla durante meses, aceptó. Ese grupo llamado Fecal Matter que duró entre 1985 y 1986 cambió el nombre y pasó a ser el referente noventero del grunge. Así sentarían las bases de lo que conocemos como Nirvana, una banda que se fundó en 1987.
Es 1989 y comienzan con su primer disco, Bleach, grabado en ese entonces con dos bateristas, Dale Crover (en tres canciones) y Chad Channing, antes de reclutar al definitivo Dave Grohl. Pero el salto que haría más reconocido a Kurt y a Nirvana fue Nevermind, de 1991, un disco que logró destronar al Dangerous de Michael Jackson en el Nº1 de los charts de Billboard. Es el disco de canciones como In Bloom, Come As You Are, Lithium, On a Plane y Smells Like Teen Spirit, elevado por mucha gente y la crítica como "el himno de la generación X", y que de hecho le dio a Kurt Cobain el titulo de vocero de esta generación. Mientras pasaba la Nirvanamanía, Kurt no se sentía cómodo con ser un ídolo. El matrimonio con Courtney Love, al que se opuso gente como Kim Gordon de Sonic Youth (ya le había advertido a Love que el matrimonio le destruiría la vida), se apuró debido a que ella estaba esperando a Frances Bean. Y aunque la niña le alegrara la vida a Kurt, a él se le notaba incómodo por la escalada de fama que consiguió Love con la relación. Al menos, esa es la teoría que muchos/as manejan, que Courtney se casó con Kurt cuando Nirvana estaba en el peak de su popularidad.
Nirvana trajo un disco al mundo, In Utero, en 1993, concebido como "menos prolijo" que Nevermind. Y ese mismo año graban el Unplugged en Nueva York, para la cadena MTV. Ya veíamos que Kurt se veía con rastros de su desorden bipolar que intentaba calmar con drogas. Los medios seguían la pista del joven cuando caía en alguna adicción, como por ejemplo, la heroína. El primer signo de que se venía lo peor es el 1 de Marzo de 1994 en Roma, cuando cayó por una sobredosis de Rohypnol con champagne. Según Courtney, fue el primer intento de suicidio que cometió Kurt. Hubo intentos de rehabilitarse y días en que se le perdió la pista. No se le vio el 4 de Abril, y el día anterior Courtney contrató un investigador privado (Tom Grant) para rastrear a Kurt. El día 7 hubo rumores de que Nirvana se había separado, y fueron descartados para tocar en el festival Lollapalooza de ese año. Pero el 8, un electricista halló la pista que destapó las dudas: Kurt Cobain fue hallado muerto en su casa de Lake Washington, con una escopeta y una nota (dedicada a su amigo imaginario Boddah) al lado. Su data de muerte fue de tres días y se le halló una alta concentración de heroína más unas trazas de Valium en el cuerpo. Sin duda, este hecho destrozó los corazones de sus fans y de mucha gente que lo admiraba y respetaba.
Fueron sólo 27 años y 44 días en que Kurt Cobain estuvo en este mundo. Su partida se sumó a lo que conocemos como el Club de los 27, edad a la que murieron Brian Jones (guitarrista fundador de los Rolling Stones), Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison (The Doors). Aunque han pasado 17 años en que el joven rubio falleció y aún se sigue especulando sobre este hecho, es mejor seguir recordando a Kurt Cobain con la música que compuso, tocó y cantó junto a Nirvana. Como testimonio de la fuerza interpretativa de nuestro homenajeado, esta servidora ha elegido el tema con el que cerraron el Unplugged en Nueva York, un cover de una canción tradicional que fue conocida después por el blusero Lead Belly. Es In the Pines, también conocida como Black Girl o Where Did You Sleep Last Night (como fue registrada en el Unplugged), en la versión de Nirvana con esa conmovedora interpretación de Kurt Cobain.
Es el humilde aporte de esta servidora para recordar al ícono de la Generación X, el cual se suma a un Corre Video de Nirvana en Abril de 2010. Hasta la próxima!
Un 20 de Febrero nació Kurt Donald Cobain en Aberdeen, Washington, hijo de Wendy Elizabeth y de Donald Leland Cobain; hermano mayor de Kimberly (nacida en 1970). Wendy es de descendencia alemana, irlandesa, escocesa e inglesa; mientras que Donald es de ascendencia escocesa, irlandesa y francesa. La infancia del pequeño Kurt fue muy alegre, entre su fanatismo por los dibujos de los personajes Disney y la crianza musical que le fueron inculcando algunos familiares. Segun su tía Mari, Kurt empezó a cantar cuando tenía sólo dos años. A los cuatro comenzó a tocar piano y cantar, y escribió una canción sobre un viaje a un parque. Sus primeras influencias fueron los Ramones, y las canciones que más le gustaba cantar eran Hey Jude (The Beatles), Seasons in the Sun (Terry Jacks), Motorcycle Song (Arlo Guthrie) y la canción del programa de TV de The Monkees. Pero esa apacible personalidad cambiaría drásticamente cuando Kurt, de ocho años, ve la separación de sus padres. Su crianza de hijo único se alteraría al ver a su padre haciendo pareja con otra mujer, madre de dos hijos, y engendrando a un hijo común, Chad. Esa familia le parecía distante al pequeño Kurt.
La personalidad del niño Cobain se vuelve agresiva, poco sociable, tanto así que fue diagnosticado con síndrome de déficit atencional. Si bien era dado a pelear, nunca fue muy buen deportista, por mucho que su padre y madrastra lo incitaran a formar parte de algún equipo. Prefería pasársela dibujando en las clases, sea algo de anatomía humana o una caricatura de Michael Jackson. En cuanto a la música, en un grupo musical del colegio tocó la batería entre los 10 y los 14 años, sin saber leer música. Una de sus tías le regaló su primera guitarra eléctrica, a los 14, la cual eligió en lugar de una bicicleta. Aprendió en una semana a tocar canciones, 5 horas al día, al tiempo que sentía la necesidad de componer su propia música, porque "aprender la música de otros resultaría demasiado complejo para el estilo personal", según decía. Trató de formar bandas con amigos, tocando canciones de AC/DC y Led Zeppelin, pero en la secundaria esto le resultaba difícil. Hasta que encontró a un devoto del punk-rock con quien podría tocar. Su nombre: Krist Novoselic. Tras años de ensayos, Kurt intentó convencer a Krist para formar una banda, y luego de pensarla durante meses, aceptó. Ese grupo llamado Fecal Matter que duró entre 1985 y 1986 cambió el nombre y pasó a ser el referente noventero del grunge. Así sentarían las bases de lo que conocemos como Nirvana, una banda que se fundó en 1987.
Es 1989 y comienzan con su primer disco, Bleach, grabado en ese entonces con dos bateristas, Dale Crover (en tres canciones) y Chad Channing, antes de reclutar al definitivo Dave Grohl. Pero el salto que haría más reconocido a Kurt y a Nirvana fue Nevermind, de 1991, un disco que logró destronar al Dangerous de Michael Jackson en el Nº1 de los charts de Billboard. Es el disco de canciones como In Bloom, Come As You Are, Lithium, On a Plane y Smells Like Teen Spirit, elevado por mucha gente y la crítica como "el himno de la generación X", y que de hecho le dio a Kurt Cobain el titulo de vocero de esta generación. Mientras pasaba la Nirvanamanía, Kurt no se sentía cómodo con ser un ídolo. El matrimonio con Courtney Love, al que se opuso gente como Kim Gordon de Sonic Youth (ya le había advertido a Love que el matrimonio le destruiría la vida), se apuró debido a que ella estaba esperando a Frances Bean. Y aunque la niña le alegrara la vida a Kurt, a él se le notaba incómodo por la escalada de fama que consiguió Love con la relación. Al menos, esa es la teoría que muchos/as manejan, que Courtney se casó con Kurt cuando Nirvana estaba en el peak de su popularidad.
Nirvana trajo un disco al mundo, In Utero, en 1993, concebido como "menos prolijo" que Nevermind. Y ese mismo año graban el Unplugged en Nueva York, para la cadena MTV. Ya veíamos que Kurt se veía con rastros de su desorden bipolar que intentaba calmar con drogas. Los medios seguían la pista del joven cuando caía en alguna adicción, como por ejemplo, la heroína. El primer signo de que se venía lo peor es el 1 de Marzo de 1994 en Roma, cuando cayó por una sobredosis de Rohypnol con champagne. Según Courtney, fue el primer intento de suicidio que cometió Kurt. Hubo intentos de rehabilitarse y días en que se le perdió la pista. No se le vio el 4 de Abril, y el día anterior Courtney contrató un investigador privado (Tom Grant) para rastrear a Kurt. El día 7 hubo rumores de que Nirvana se había separado, y fueron descartados para tocar en el festival Lollapalooza de ese año. Pero el 8, un electricista halló la pista que destapó las dudas: Kurt Cobain fue hallado muerto en su casa de Lake Washington, con una escopeta y una nota (dedicada a su amigo imaginario Boddah) al lado. Su data de muerte fue de tres días y se le halló una alta concentración de heroína más unas trazas de Valium en el cuerpo. Sin duda, este hecho destrozó los corazones de sus fans y de mucha gente que lo admiraba y respetaba.
Fueron sólo 27 años y 44 días en que Kurt Cobain estuvo en este mundo. Su partida se sumó a lo que conocemos como el Club de los 27, edad a la que murieron Brian Jones (guitarrista fundador de los Rolling Stones), Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison (The Doors). Aunque han pasado 17 años en que el joven rubio falleció y aún se sigue especulando sobre este hecho, es mejor seguir recordando a Kurt Cobain con la música que compuso, tocó y cantó junto a Nirvana. Como testimonio de la fuerza interpretativa de nuestro homenajeado, esta servidora ha elegido el tema con el que cerraron el Unplugged en Nueva York, un cover de una canción tradicional que fue conocida después por el blusero Lead Belly. Es In the Pines, también conocida como Black Girl o Where Did You Sleep Last Night (como fue registrada en el Unplugged), en la versión de Nirvana con esa conmovedora interpretación de Kurt Cobain.
Es el humilde aporte de esta servidora para recordar al ícono de la Generación X, el cual se suma a un Corre Video de Nirvana en Abril de 2010. Hasta la próxima!
sábado, 2 de abril de 2011
Dan la Bienvenida a los 30 en Abril
Qué tal, estimados/as, inauguro este mes de Abril con la sección que di a conocer hace tres meses, el Año Internacional de la Treintena. Un mes como éste, en 1981, la banda Yes se separa; se lanza en EE.UU. la primera misión de un transbordador espacial, el Columbia; y en el sur de Londres ha lugar al Disturbio de Brixton de 1981, en el que habrían participado unas 5000 personas. En ese mes y año nacieron las personas que mencionaré a continuación...
Un 4 de Abril de 1981 nació en Santiago de Chile Juan Lagos, mejor conocido como Zaturno. Inicialmente tuvo experiencia en colectivos de baile y rap como Ki-Clan, de Puente Alto, y Los Tapia, de La Florida. Después de esto, se unió en 1995 al grupo Tiro de Gracia, banda con la que sacó su primer disco Ser Humano!! dos años después, cuando Zaturno tenía sólo 16 años. Tras el segundo disco, Decisión (1999), Zaturno deja Tiro de Gracia, y se embarca en su proyecto Tapia Rabia Jackson, que mutó a Zaturno y Tapia Rabia, con uno y dos discos respectivamente. Por ahora el rapero está en plan solista, con tres discos a su haber, ha sido nominado a los Premios MTV 2009 y ganó el Premio a la Música Chilena 2008, en categoría Hip-Hop.
Este 19 de Abril dos actores cumplen sus 30: Hayden Christensen y Catalina Sandino Moreno. Él nació en Vancouver, Canadá, y desde pequeño actuó en series de su país, hasta que destaca por su rol de adolescente molestado sexualmente por su madrastra, en la serie Higher Ground, de Fox Family Network. Fue por ese rol que George Lucas se fijó en Hayden y fue elegido para interpretar al joven Anakin Skywalker en los episodios 2 y 3 de Star Wars. Catalina vio la luz en Bogotá, Colombia, estudió en el Colegio San Jorge de Inglaterra en su ciudad, donde se graduaría en 2000. Tras ser rechazada en varias audidiones para telenovelas, consiguió el rol principal para la película María, Llena Eres de Gracia. Esto le reportó a Catalina una nominación a los Premios Oscar 2005 a Mejor Actriz Principal, convirtiéndose en la única colombiana y tercera latina en recibir tal nominación. Ha actuado en Eclipse (Crepúsculo) y actualmente está casada desde 2006.
Un 25 de Abril del '81 nacieron dos deportistas: el corredor de Fórmula 1 Felipe Massa y la esquiadora alpina Anja Pärson. Él nació en São Paulo y empezó con el karting a los 8, para después correr por la Fórmula Chevrolet en 1998. Desde 2002 que Massa compite en la Fórmula 1, representando a Sauber Petronas y Ferrari Marlboro, escudería de la que actualmente forma parte. Ha ganado 11 veces el Grand Prix, el último fue en Brasil el 2008 y por ahora marcha sexto en la temporada 2010 de Fórmula 1. Anja nació en Umeå, Suecia, y fue introducida al ski alpino por su hermana Frida, para luego ser entrenada por el padre, Anders. Fue escalando de a poco en el deporte hasta obtener su primera Medalla de Oro en el Campeonato Mundial de 2001 en St. Anton, modalidad slalom. Tiene a su haber una Medalla de Oro Olímpica de Turín 2010, 7 Campeonatos del Mundo, 2 Generales de la Copa del Mundo y 42 victorias en la Copa del Mundo de Ski Alpino, completando 94 podiums. En la historia del ski alpino, Pärson es la primera esquiadora de la Historia en ser Campeona Mundial en las cinco disciplinas de este deporte.
Este Abril 28 es cuando la actriz Jessica Alba da la bienvenida a los 30. Nacida en Pomona, California, Jessica es hija de madre danesa y franco-canadiense, y padre mexico-americano. Si bien en su infancia sufrió de asma y algunos episodios de neumonía, esto no impidió a la pequeña Alba a interesarse por la actuación a los cinco años. A los 11, logrando el permiso maternal, concursa en una competencia en Beverly Hills y gana el premio mayor, clases de actuación gratis. A los 16 se gradúa del High School y persevera en su rubro, desde comerciales de TV hasta su primer rol que la hizo conocida, una de las chicas populares de la película Jamás Besada (1999). Se consagró más cuando James Cameron la eligió para protagonizar su serie Dark Angel, y después hizo de Sue Storm/Mujer Invisible en las dos películas de Los Cuatro Fantásticos. Lo más reciente de esta actriz y sex-symbol es su aparición en Valentine's Day, la comedia romántica coral de 2010.
El 29 de Abril es el día en que Tom Smith, cantante de la banda inglesa Editors, se integra al Club de los 30. Nacido como Thomas Michael Henry Smith en Stroud, Gloucestershire, comenzó a escuchar Brit Pop desde adolescente, incluyendo discos como Parklife (Blur) y Definitely Maybe (Oasis), con los que aprendió a tocar guitarra. Mientras estudió Tecnología en Música en la Universidad de Staffordshire, conoció a quienes serían los integrantes de Editors. Tom está desde 2002 con el grupo y llevan tres discos de estudio, más uno que estaría por salir este 2011. La particular voz de barítono del cantante ha sido comparada con las de Ian Curtis (Joy Division), Paul Banks (Interpol), Robert Smith (The Cure) y Michael Stipe (R.E.M.).
Esta va para quienes sintonizan el Warner Channel: Este 30 de Abril, terminando el mes, cumple su treintena el actor Kunal Nayyar, mejor conocido como Rajesh Koothrappali en The Big Bang Theory. De origen hindú, Kunal (nombre que significa "el que ve belleza en cada cosa", proveniente de un pájaro del Himalaya) nació en Londres, pero se crió en Nueva Delhi, donde asistió a la St. Columba School. Emigró a EE.UU apenas terminó la secundaria, entró a estudiar Administración en la Universidad de Portland y obtuvo un grado de Arte en la Universidad Temple de Philadelphia. Fue en Portland donde se destacó por sus dotes actorales, ganando el Premio Mark Twain por su actuación cómica. Ese fue el inicio de Nayyar para escalar en teatro, cine y TV, donde su mayor logro es su rol en la serie The Big Bang Theory, donde encarna a un científico indio que detesta la comida de su país y tiene problemas para relacionarse con las mujeres. Actualmente Nayyar reside en Los Angeles, y se encuentra escribiendo su primer guión cinematográfico.
Y por razones de espacio, doy mención especial a dos futbolistas: Marcus Túlio Tanaka y Nicolás Burdisso. Tanaka nació en Palmeira d'Oeste, Brasil, un 24 de Abril de 1981, se mudó a Japón a los 15 y es profesional desde 2001. Ahora tiene ciudadanía japonesa y juega desde 2010 por el Nagoya Grampus. Burdisso llegó a este mundo un 12 de Abril de 1981 en Córdoba, Argentina, empezó jugando por el Boca Juniors como profesional entre 1999 y 2004, con quienes ganó tres Copas Libertadores. Actualmente Nicolás tiene ciudadanía europea y juega por la A.S. Roma.
Y así hemos repasado lo mejor de estos treintañeros de los signos Aries y Tauro. Donde sea que estén, esta servidora desea que Zaturno, Hayden, Catalina, Felipe, Anja, Jessica, Tom, Kunal, Marcus Túlio y Nicolás le den la bienvenida con todo a sus tres décadas. Retomo esta sección en Mayo con nuevos personajes que nacieron en 1981 y que destacan en sus áreas. Hasta la próxima!
Un 4 de Abril de 1981 nació en Santiago de Chile Juan Lagos, mejor conocido como Zaturno. Inicialmente tuvo experiencia en colectivos de baile y rap como Ki-Clan, de Puente Alto, y Los Tapia, de La Florida. Después de esto, se unió en 1995 al grupo Tiro de Gracia, banda con la que sacó su primer disco Ser Humano!! dos años después, cuando Zaturno tenía sólo 16 años. Tras el segundo disco, Decisión (1999), Zaturno deja Tiro de Gracia, y se embarca en su proyecto Tapia Rabia Jackson, que mutó a Zaturno y Tapia Rabia, con uno y dos discos respectivamente. Por ahora el rapero está en plan solista, con tres discos a su haber, ha sido nominado a los Premios MTV 2009 y ganó el Premio a la Música Chilena 2008, en categoría Hip-Hop.
Este 19 de Abril dos actores cumplen sus 30: Hayden Christensen y Catalina Sandino Moreno. Él nació en Vancouver, Canadá, y desde pequeño actuó en series de su país, hasta que destaca por su rol de adolescente molestado sexualmente por su madrastra, en la serie Higher Ground, de Fox Family Network. Fue por ese rol que George Lucas se fijó en Hayden y fue elegido para interpretar al joven Anakin Skywalker en los episodios 2 y 3 de Star Wars. Catalina vio la luz en Bogotá, Colombia, estudió en el Colegio San Jorge de Inglaterra en su ciudad, donde se graduaría en 2000. Tras ser rechazada en varias audidiones para telenovelas, consiguió el rol principal para la película María, Llena Eres de Gracia. Esto le reportó a Catalina una nominación a los Premios Oscar 2005 a Mejor Actriz Principal, convirtiéndose en la única colombiana y tercera latina en recibir tal nominación. Ha actuado en Eclipse (Crepúsculo) y actualmente está casada desde 2006.
Un 25 de Abril del '81 nacieron dos deportistas: el corredor de Fórmula 1 Felipe Massa y la esquiadora alpina Anja Pärson. Él nació en São Paulo y empezó con el karting a los 8, para después correr por la Fórmula Chevrolet en 1998. Desde 2002 que Massa compite en la Fórmula 1, representando a Sauber Petronas y Ferrari Marlboro, escudería de la que actualmente forma parte. Ha ganado 11 veces el Grand Prix, el último fue en Brasil el 2008 y por ahora marcha sexto en la temporada 2010 de Fórmula 1. Anja nació en Umeå, Suecia, y fue introducida al ski alpino por su hermana Frida, para luego ser entrenada por el padre, Anders. Fue escalando de a poco en el deporte hasta obtener su primera Medalla de Oro en el Campeonato Mundial de 2001 en St. Anton, modalidad slalom. Tiene a su haber una Medalla de Oro Olímpica de Turín 2010, 7 Campeonatos del Mundo, 2 Generales de la Copa del Mundo y 42 victorias en la Copa del Mundo de Ski Alpino, completando 94 podiums. En la historia del ski alpino, Pärson es la primera esquiadora de la Historia en ser Campeona Mundial en las cinco disciplinas de este deporte.
Este Abril 28 es cuando la actriz Jessica Alba da la bienvenida a los 30. Nacida en Pomona, California, Jessica es hija de madre danesa y franco-canadiense, y padre mexico-americano. Si bien en su infancia sufrió de asma y algunos episodios de neumonía, esto no impidió a la pequeña Alba a interesarse por la actuación a los cinco años. A los 11, logrando el permiso maternal, concursa en una competencia en Beverly Hills y gana el premio mayor, clases de actuación gratis. A los 16 se gradúa del High School y persevera en su rubro, desde comerciales de TV hasta su primer rol que la hizo conocida, una de las chicas populares de la película Jamás Besada (1999). Se consagró más cuando James Cameron la eligió para protagonizar su serie Dark Angel, y después hizo de Sue Storm/Mujer Invisible en las dos películas de Los Cuatro Fantásticos. Lo más reciente de esta actriz y sex-symbol es su aparición en Valentine's Day, la comedia romántica coral de 2010.
El 29 de Abril es el día en que Tom Smith, cantante de la banda inglesa Editors, se integra al Club de los 30. Nacido como Thomas Michael Henry Smith en Stroud, Gloucestershire, comenzó a escuchar Brit Pop desde adolescente, incluyendo discos como Parklife (Blur) y Definitely Maybe (Oasis), con los que aprendió a tocar guitarra. Mientras estudió Tecnología en Música en la Universidad de Staffordshire, conoció a quienes serían los integrantes de Editors. Tom está desde 2002 con el grupo y llevan tres discos de estudio, más uno que estaría por salir este 2011. La particular voz de barítono del cantante ha sido comparada con las de Ian Curtis (Joy Division), Paul Banks (Interpol), Robert Smith (The Cure) y Michael Stipe (R.E.M.).
Esta va para quienes sintonizan el Warner Channel: Este 30 de Abril, terminando el mes, cumple su treintena el actor Kunal Nayyar, mejor conocido como Rajesh Koothrappali en The Big Bang Theory. De origen hindú, Kunal (nombre que significa "el que ve belleza en cada cosa", proveniente de un pájaro del Himalaya) nació en Londres, pero se crió en Nueva Delhi, donde asistió a la St. Columba School. Emigró a EE.UU apenas terminó la secundaria, entró a estudiar Administración en la Universidad de Portland y obtuvo un grado de Arte en la Universidad Temple de Philadelphia. Fue en Portland donde se destacó por sus dotes actorales, ganando el Premio Mark Twain por su actuación cómica. Ese fue el inicio de Nayyar para escalar en teatro, cine y TV, donde su mayor logro es su rol en la serie The Big Bang Theory, donde encarna a un científico indio que detesta la comida de su país y tiene problemas para relacionarse con las mujeres. Actualmente Nayyar reside en Los Angeles, y se encuentra escribiendo su primer guión cinematográfico.
Y por razones de espacio, doy mención especial a dos futbolistas: Marcus Túlio Tanaka y Nicolás Burdisso. Tanaka nació en Palmeira d'Oeste, Brasil, un 24 de Abril de 1981, se mudó a Japón a los 15 y es profesional desde 2001. Ahora tiene ciudadanía japonesa y juega desde 2010 por el Nagoya Grampus. Burdisso llegó a este mundo un 12 de Abril de 1981 en Córdoba, Argentina, empezó jugando por el Boca Juniors como profesional entre 1999 y 2004, con quienes ganó tres Copas Libertadores. Actualmente Nicolás tiene ciudadanía europea y juega por la A.S. Roma.
Y así hemos repasado lo mejor de estos treintañeros de los signos Aries y Tauro. Donde sea que estén, esta servidora desea que Zaturno, Hayden, Catalina, Felipe, Anja, Jessica, Tom, Kunal, Marcus Túlio y Nicolás le den la bienvenida con todo a sus tres décadas. Retomo esta sección en Mayo con nuevos personajes que nacieron en 1981 y que destacan en sus áreas. Hasta la próxima!
viernes, 25 de marzo de 2011
Corre Video: Björk
Qué tal, estimados/as, soy yo oficiando de VJ en la Casa Matriz. El 8 de Marzo, como bien saben, es el Día Internacional de la Mujer, una efeméride que se estableció a partir de un hecho de hace 100 años: el incendio que terminó con la vida de más de un centenar de obreras en la fábrica Triangle de Nueva York. Esta efeméride la hago extensiva a todo el mes, y para nuestro Mes de la Mujer traemos la videografía de una cantante que rompió todos los límites y se ha consolidado como ícono de los 90's y de la actualidad, con su inconfundible voz y su incansable experimentación sonora. Desde las lejanas tierras de Islandia, es Björk a quien ponemos play en Corre Video!
Nacida un 21 de Noviembre de 1965, Björk Guðmundsdóttir (sí, ese es su apellido) manifestó su interés musical desde muy pequeña, lanzando su primera canción, I Love To Love, en 1976 para Radio One de Islandia. Más adelante seguiría haciendo música con las bandas Tappi Tikarrass, KUKL y The Sugarcubes, ésta última elevada al status de banda de culto. Tras la disolución de The Sugarcubes en 1992, Björk se lanza en plan solista, cambiando el idioma natal por el inglés, cautivando a la crítica y a una cada vez más creciente audiencia con su particular voz. A esto agreguemos la puesta en escena que este metro y medio de talento desarrolla en sus videos y shows. Desde el disco Debut de 1993 hasta Volta de 2007, hacemos correr los videos de la islandesa, right now...
Si bien el primer disco de Björk fue su homónimo de 1977, el álbum que lanzó en 1993, llamado Debut, fue el primero que consiguió éxito multinacional, opacando al trabajo primerizo en islandés. El primer single de Debut es Human Behaviour, con video a cargo de Michel Gondry, basado en el cuento Ricitos de Oro y los Tres Osos, lo cual se nota en la ambientación: una casita en medio de un bosque y un oso que anda merodeando por ahí. Tras esto, viene el segundo video, Venus as a Boy, dirigido por Sophie Muller, donde está Björk en una cocina preparando huevos. El tercer video es el de Play Dead por Danny Cannon, donde la islandesa canta en un bar oscuro y vacío, la locación de la película The Young Americans de este mismo director. El siguiente single es Big Time Sensuality, la canción que popularizó a Björk, cuyo video dirigido por Stéphane Sednaoui es todo un ícono, en b/n con la cantante bailando sobre la parte trasera de un camión que se mueve lentamente por New York, a plena luz del día. El director francés también ha hecho una versión nocturna de Big Time Sensuality. Terminamos la exitosa serie de Debut con Violently Happy, el video a cargo de Jean-Baptiste Mondino que muestra a Björk bailando en una sala de institución mental, junto a otros pacientes mostrando actitudes desquiciadas.
Llegamos al disco Post, de 1995, en el cual nuestra cantante del mes neutraliza esa imagen de principiante que parecía insinuarse en Debut. El primer single es Army of Me, con un video futurista dirigido por Michel Gondry, en el que Björk maneja un tanque con un motor en forma de boca, va a la consulta de un dentista-gorila y detona una bomba en el museo para salvar a su novio que está como instalación. El mismo Michel Gondry dirige el video en b/n para Isobel, donde los aviones nacen de ampolletas como si fueran aves, en medio de un ambiente en el que Björk es una personificación de la Madre Naturaleza. Es el turno de Spike Jonze y su video para It's Oh So Quiet, creado como un mini-musical donde Björk y la gente se mueven a velocidad lenta con las estrofas y se vuelve un desorden en el coro, con coreografías alegres y un buzón bailarín. Michel Gondry vuelve a la dirección en Hyperballad, un ensoñador video en el que se proyecta la imagen de Björk sobre ella misma con los ojos cerrados, para dar paso a un videojuego con una representación pixelada de la cantante. Stéphane Sednaoui dirige el video para Possibly Maybe, donde figura la artista en diferentes habitaciones, tanto en colores fluorescentes como en tonos más sobrios, más una caracterización como una diosa, con su vestido blanco. Terminando la serie del Post, el animador John Kricfalusi creó el video mitad animado y mitad humano de I Miss You, en el estilo que caracteriza al creador de Ren & Stimpy, donde Björk aparece con su pelo rojo cobrizo e interactuando con Jimmy the Idiot Boy.
Es 1997 y la ex-Sugarcubes busca un estilo de electrónica más calmado, más elaborado que en sus anteriores trabajos, que salió como disco bajo el nombre de Homogenic. Para el primer single, Jóga, el director Michel Gondry filmó el video en Islandia y agregó retoques computarizados a sus paisajes, mientras que la cantante aparece sólo al comienzo y al final. El mismo Gondry dirige el video de Bachelorette, concebido por Björk como la parte final de la trilogía que completan Human Behaviour e Isobel, donde la protagonista halla un libro en blanco enterrado en el bosque, lo escribe y viaja a la ciudad para publicarlo bajo el nombre My Story. El tercer video es el de Hunter, por Paul White, en el que un fondo blanco y una Björk calva sirven como base para aplicarle efectos generados por computador, como alas o una máscara de oso polar sobre la cabeza de la cantante. Para el single Alarm Call, el diseñador Alexander McQueen creó un video que puede verse como la secuela de Bachelorette, en la que Isobel regresa a la vida salvaje tras desilusionarse de la ciudad, por lo que se vería como el fin de la Tetralogía de Isobel. El último video de Homogenic es el de All Is Full Of Love, dirigido por Chris Cunningham, donde una Björk-robot es reparada en una clínica de robots, conoce a otra Björk-robot que la sigue en la canción y ambas se besan apasionadamente, incluso cuando las máquinas les ensamblan componentes.
Entramos al nuevo milenio y Björk lanza su cuarto disco multinacional, Vespertine, en 2001. Su primer single es Hidden Place, con video a cargo de M/M (Paris), Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin. Este equipo creó efectos sobre la islandesa en un fondo negro, como su cabello negro al viento y lágrimas de colores que pintan su rostro. Tras éste, sigue el controversial video (según MTV) de Pagan Poetry, dirigido por Nick Knight, donde la ex-Sugarcubes luce un vestido diseñado por Alexander McQueen que le cubre sólo la mitad inferior del cuerpo, sin nada de pudores (es verdad, caballeros). Cierra esta serie del Vespertine el video de Cocoon, por Eiko Ishioka, también jugando con la desnudez (sólo es un traje color piel que disimula lo evidente), donde la islandesa se cubre lentamente de cordones rojos virtuales, emanados de sus pezones (sí, así se graficó), que la envuelven como un capullo (el título de la canción). Al igual que el video de Pagan Poetry, el de Cocoon fue sacado del horario prime de MTV.
En el intertanto, 2002, aparece Greatest Hits, que compila los éxitos que eligieron los fans de la islandesa. La canción inédita es It's In Our Hands, cuyo video dirigió Spike Jonze, donde capta a Björk en plena oscuridad con modo infrarrojo, en medio de los árboles y las plantas. Un remix llamado It's In Our Hands (Soft Pink Truth Mix) tiene video a cargo del trío de directores Lynn Fox, es un collage de fotos en sepia intervenidas con dibujos y animaciones. Aunque no salió en el Greatest Hits original, sino en el boxset Family Tree, apareció en ese año Nature Is Ancient, aparecida originalmente en el disco de 1997, con video por Lynn Fox, donde muestran formas de vida microscópicas en fondo negro.
El quinto disco de Björk llega en 2004 bajo el nombre de Medúlla, un trabajo interpretado casi a capella, que incluye las voces de Mike Patton, Robert Wyatt y el ex-The Roots Rahzel, cantando o haciendo efectos sonoros. Además de esto, la cantante asegura que la maternidad influyó en la composición del disco, mientras esperaba a su hija menor Ísadóra. El primer single de Medúlla es Oceania, con video por Lynn Fox, donde nuestra cantante del mes luce cristales en su vestido y rostro, mientras diversas formas de vida submarina flotan a su alrededor. El siguiente video, Who Is It, fue filmado en Islandia y dirigido por Dawn Shadforth, en el que Björk usa un sonoro vestido de campanitas diseñado por Alexander McQueen, más un grupo de niños con trajes similares. El tercer video es el de Triumph of a Heart, por Spike Jonze, donde Björk encarna a una mujer aburrida de su esposo-gato para irse de fiesta, claro que al final vuelve con su gatito. A éste le sigue el cuarto single Where Is the Line (donde canta con Mike Patton), cuyo video dirigido por Gabríela Friðriksdóttir muestra a la islandesa cubierta de sacos areneros con una sustancia blanca y viscosa (presumiblemente la verniz caseosa); de uno de los sacos emerge la bailarina Erna Ómarsdóttir y siguen naciendo más criaturas hasta que Björk no se ve. Cerrando la serie de Medúlla, está el video de un tema que no fue single: Desired Constellation. En este video, realizado por Lynn Fox, una constelación está intervenida por criaturas marinas, mientras las estrellas parpadean. Un extra de 2004: Dos canciones del disco Homogenic que no fueron singles tienen sus videos por Lynn Fox, siete años después. El primero es Unravel, donde la cantante luce un traje estilo ballerina, en el cual surgen numerosos filamentos blancos desde su espalda, entrecruzándose. El otro video es el de Pluto, en el que vemos un hombre calvo sin ropa contorneándose en medio de la oscuridad.
Es 2007 y Björk lanza el sexto disco de estudio, Volta, hasta este momento el último. El primer sencillo es Earth Intruders, cuyo video dirigido por Michel Ocelot muestra las siluetas de una banda tribal danzando, y de fondo se proyecta el rostro de la islandesa en colores sicodélicos. Para el segundo single, Innocence, la cantante llamó a un concurso en su sitio oficial. El video ganador para Innocence es el de Fred & Annabelle de Francia, donde la ex-Sugarcubes viste el colorido y extraño traje de la carátula de Volta, en contraste con la oscuridad del galpón, el cual se va llenando de colores y juguetes animados. Aunque la votación está cerrada, pueden ver en este enlace las otras propuestas para Innocence. El tercer video es el de Declare Independence, dirigido por Michel Gondry, filmado en una fábrica textil donde Björk grita por un megáfono del cual salen cuerdas de colores que tira un grupo de uniformados. Nótese el uniforme de la cantante: lleva la bandera de Groenlandia en su hombro izquierdo y la de Islas Feroe en el derecho, dos regiones autónomas pertenecientes al Reino de Dinamarca. A este video le sigue el de Wanderlust, por Encyclopedia Pictura, que combina muñecos a gran escala, miniaturas, acrobacias y coreografías; y donde nuestra cantante del mes luce un atuendo tribal de la antigua Mongolia. Para terminar con la serie del Volta, acá tenemos el video de The Dull Flame of Desire, a dúo con Antony Hegarty (del grupo Antony and the Johnsons), realizado en tres partes por distintos directores. La primera parte, por Masahiro Mogari (de Tokio, Japón) muestra unos puntos blancos sobre fondo negro, moviéndose hasta formar los rostros de ambos cantantes. La segunda parte, por Marçal Cuberta Juncà (de Gerona, España), reproduce la imagen de Björk y de Antony en efecto sténcil (negro sobre blanco) mientras cantan. La tercera parte y final, por Christoph Jantos (de Berlín, Alemania), se compone de close-ups de la islandesa y del inglés sobre fondo negro, hasta fundir ambos rostros en uno. En Londres se hizo la edición final para unir las partes en el video.
Como epílogo de este Corre Video, un último video oficial sin pertenencia a disco de la cantante. Es el de The Comet Song, canción incluida en la película Moomins and the Comet Chase, cuya dirección corre por cuenta de Maria Lindberg, al igual que en el film. Es un trabajo de animación protagonizado por unas criaturas en 3D, unas vaquitas, un ratoncito y un espantapájaros, todos consternados por la llegada de un cometa a su apacible granja.
¿Una nueva noticia sobre Björk? Se viene nuevo disco para este 2011, y se llamará Biophilia, será el séptimo de su carrera. No hay fecha de lanzamiento aún, pero es de esperar que nuestra cantante del mes sorprenda a sus fans tal como lo hizo con sus seis discos de estudio anteriores. Mucho éxito para su próximo lanzamiento!
Así hemos repasado una videografía intensa, ecléctica, maravillosa, dramática, alucinante, provocadora... Sobran los adjetivos, pero nunca está de más el aprecio que la fanaticada tiene a este metro y medio de talento, madre de un hijo y una hija (Sindri, de 24 años, e Ísadóra, de 8), Musa Inspiradora de varias generaciones, dueña de un rostro que parece no envejecer a sus 45, adorada u odiada, pero nunca ignorada. Y por estos días, mientras reviso los videos, se abre el tema de discusión bajo varios de ellos: Entre Björk y Lady Gaga, ¿quién es más extravagante? Eso quedará para otra ocasión, pero al menos ambas cantantes se hicieron asesorar por Alexander McQueen (Q.E.P.D.), el diseñador que les creó piezas únicas para sus estilos.
Y bien, estimados/as, concluimos esta sección del mes con una mujer fuerte de la música, al igual que Alanis Morissette fue la elegida para Marzo de 2010. En Abril seguimos con otro artista a quien darle la bienvenida con las palabras mágicas: Corre Video! Hasta la próxima.
(PD: Si ven los dos videos de Big Time Sensuality, notarán que está el remix, que tuvo su rotación en Chile, en vez del original. Disculpen la ausencia del video con la otra versión)
Nacida un 21 de Noviembre de 1965, Björk Guðmundsdóttir (sí, ese es su apellido) manifestó su interés musical desde muy pequeña, lanzando su primera canción, I Love To Love, en 1976 para Radio One de Islandia. Más adelante seguiría haciendo música con las bandas Tappi Tikarrass, KUKL y The Sugarcubes, ésta última elevada al status de banda de culto. Tras la disolución de The Sugarcubes en 1992, Björk se lanza en plan solista, cambiando el idioma natal por el inglés, cautivando a la crítica y a una cada vez más creciente audiencia con su particular voz. A esto agreguemos la puesta en escena que este metro y medio de talento desarrolla en sus videos y shows. Desde el disco Debut de 1993 hasta Volta de 2007, hacemos correr los videos de la islandesa, right now...
Si bien el primer disco de Björk fue su homónimo de 1977, el álbum que lanzó en 1993, llamado Debut, fue el primero que consiguió éxito multinacional, opacando al trabajo primerizo en islandés. El primer single de Debut es Human Behaviour, con video a cargo de Michel Gondry, basado en el cuento Ricitos de Oro y los Tres Osos, lo cual se nota en la ambientación: una casita en medio de un bosque y un oso que anda merodeando por ahí. Tras esto, viene el segundo video, Venus as a Boy, dirigido por Sophie Muller, donde está Björk en una cocina preparando huevos. El tercer video es el de Play Dead por Danny Cannon, donde la islandesa canta en un bar oscuro y vacío, la locación de la película The Young Americans de este mismo director. El siguiente single es Big Time Sensuality, la canción que popularizó a Björk, cuyo video dirigido por Stéphane Sednaoui es todo un ícono, en b/n con la cantante bailando sobre la parte trasera de un camión que se mueve lentamente por New York, a plena luz del día. El director francés también ha hecho una versión nocturna de Big Time Sensuality. Terminamos la exitosa serie de Debut con Violently Happy, el video a cargo de Jean-Baptiste Mondino que muestra a Björk bailando en una sala de institución mental, junto a otros pacientes mostrando actitudes desquiciadas.
Llegamos al disco Post, de 1995, en el cual nuestra cantante del mes neutraliza esa imagen de principiante que parecía insinuarse en Debut. El primer single es Army of Me, con un video futurista dirigido por Michel Gondry, en el que Björk maneja un tanque con un motor en forma de boca, va a la consulta de un dentista-gorila y detona una bomba en el museo para salvar a su novio que está como instalación. El mismo Michel Gondry dirige el video en b/n para Isobel, donde los aviones nacen de ampolletas como si fueran aves, en medio de un ambiente en el que Björk es una personificación de la Madre Naturaleza. Es el turno de Spike Jonze y su video para It's Oh So Quiet, creado como un mini-musical donde Björk y la gente se mueven a velocidad lenta con las estrofas y se vuelve un desorden en el coro, con coreografías alegres y un buzón bailarín. Michel Gondry vuelve a la dirección en Hyperballad, un ensoñador video en el que se proyecta la imagen de Björk sobre ella misma con los ojos cerrados, para dar paso a un videojuego con una representación pixelada de la cantante. Stéphane Sednaoui dirige el video para Possibly Maybe, donde figura la artista en diferentes habitaciones, tanto en colores fluorescentes como en tonos más sobrios, más una caracterización como una diosa, con su vestido blanco. Terminando la serie del Post, el animador John Kricfalusi creó el video mitad animado y mitad humano de I Miss You, en el estilo que caracteriza al creador de Ren & Stimpy, donde Björk aparece con su pelo rojo cobrizo e interactuando con Jimmy the Idiot Boy.
Es 1997 y la ex-Sugarcubes busca un estilo de electrónica más calmado, más elaborado que en sus anteriores trabajos, que salió como disco bajo el nombre de Homogenic. Para el primer single, Jóga, el director Michel Gondry filmó el video en Islandia y agregó retoques computarizados a sus paisajes, mientras que la cantante aparece sólo al comienzo y al final. El mismo Gondry dirige el video de Bachelorette, concebido por Björk como la parte final de la trilogía que completan Human Behaviour e Isobel, donde la protagonista halla un libro en blanco enterrado en el bosque, lo escribe y viaja a la ciudad para publicarlo bajo el nombre My Story. El tercer video es el de Hunter, por Paul White, en el que un fondo blanco y una Björk calva sirven como base para aplicarle efectos generados por computador, como alas o una máscara de oso polar sobre la cabeza de la cantante. Para el single Alarm Call, el diseñador Alexander McQueen creó un video que puede verse como la secuela de Bachelorette, en la que Isobel regresa a la vida salvaje tras desilusionarse de la ciudad, por lo que se vería como el fin de la Tetralogía de Isobel. El último video de Homogenic es el de All Is Full Of Love, dirigido por Chris Cunningham, donde una Björk-robot es reparada en una clínica de robots, conoce a otra Björk-robot que la sigue en la canción y ambas se besan apasionadamente, incluso cuando las máquinas les ensamblan componentes.
Entramos al nuevo milenio y Björk lanza su cuarto disco multinacional, Vespertine, en 2001. Su primer single es Hidden Place, con video a cargo de M/M (Paris), Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin. Este equipo creó efectos sobre la islandesa en un fondo negro, como su cabello negro al viento y lágrimas de colores que pintan su rostro. Tras éste, sigue el controversial video (según MTV) de Pagan Poetry, dirigido por Nick Knight, donde la ex-Sugarcubes luce un vestido diseñado por Alexander McQueen que le cubre sólo la mitad inferior del cuerpo, sin nada de pudores (es verdad, caballeros). Cierra esta serie del Vespertine el video de Cocoon, por Eiko Ishioka, también jugando con la desnudez (sólo es un traje color piel que disimula lo evidente), donde la islandesa se cubre lentamente de cordones rojos virtuales, emanados de sus pezones (sí, así se graficó), que la envuelven como un capullo (el título de la canción). Al igual que el video de Pagan Poetry, el de Cocoon fue sacado del horario prime de MTV.
En el intertanto, 2002, aparece Greatest Hits, que compila los éxitos que eligieron los fans de la islandesa. La canción inédita es It's In Our Hands, cuyo video dirigió Spike Jonze, donde capta a Björk en plena oscuridad con modo infrarrojo, en medio de los árboles y las plantas. Un remix llamado It's In Our Hands (Soft Pink Truth Mix) tiene video a cargo del trío de directores Lynn Fox, es un collage de fotos en sepia intervenidas con dibujos y animaciones. Aunque no salió en el Greatest Hits original, sino en el boxset Family Tree, apareció en ese año Nature Is Ancient, aparecida originalmente en el disco de 1997, con video por Lynn Fox, donde muestran formas de vida microscópicas en fondo negro.
El quinto disco de Björk llega en 2004 bajo el nombre de Medúlla, un trabajo interpretado casi a capella, que incluye las voces de Mike Patton, Robert Wyatt y el ex-The Roots Rahzel, cantando o haciendo efectos sonoros. Además de esto, la cantante asegura que la maternidad influyó en la composición del disco, mientras esperaba a su hija menor Ísadóra. El primer single de Medúlla es Oceania, con video por Lynn Fox, donde nuestra cantante del mes luce cristales en su vestido y rostro, mientras diversas formas de vida submarina flotan a su alrededor. El siguiente video, Who Is It, fue filmado en Islandia y dirigido por Dawn Shadforth, en el que Björk usa un sonoro vestido de campanitas diseñado por Alexander McQueen, más un grupo de niños con trajes similares. El tercer video es el de Triumph of a Heart, por Spike Jonze, donde Björk encarna a una mujer aburrida de su esposo-gato para irse de fiesta, claro que al final vuelve con su gatito. A éste le sigue el cuarto single Where Is the Line (donde canta con Mike Patton), cuyo video dirigido por Gabríela Friðriksdóttir muestra a la islandesa cubierta de sacos areneros con una sustancia blanca y viscosa (presumiblemente la verniz caseosa); de uno de los sacos emerge la bailarina Erna Ómarsdóttir y siguen naciendo más criaturas hasta que Björk no se ve. Cerrando la serie de Medúlla, está el video de un tema que no fue single: Desired Constellation. En este video, realizado por Lynn Fox, una constelación está intervenida por criaturas marinas, mientras las estrellas parpadean. Un extra de 2004: Dos canciones del disco Homogenic que no fueron singles tienen sus videos por Lynn Fox, siete años después. El primero es Unravel, donde la cantante luce un traje estilo ballerina, en el cual surgen numerosos filamentos blancos desde su espalda, entrecruzándose. El otro video es el de Pluto, en el que vemos un hombre calvo sin ropa contorneándose en medio de la oscuridad.
Es 2007 y Björk lanza el sexto disco de estudio, Volta, hasta este momento el último. El primer sencillo es Earth Intruders, cuyo video dirigido por Michel Ocelot muestra las siluetas de una banda tribal danzando, y de fondo se proyecta el rostro de la islandesa en colores sicodélicos. Para el segundo single, Innocence, la cantante llamó a un concurso en su sitio oficial. El video ganador para Innocence es el de Fred & Annabelle de Francia, donde la ex-Sugarcubes viste el colorido y extraño traje de la carátula de Volta, en contraste con la oscuridad del galpón, el cual se va llenando de colores y juguetes animados. Aunque la votación está cerrada, pueden ver en este enlace las otras propuestas para Innocence. El tercer video es el de Declare Independence, dirigido por Michel Gondry, filmado en una fábrica textil donde Björk grita por un megáfono del cual salen cuerdas de colores que tira un grupo de uniformados. Nótese el uniforme de la cantante: lleva la bandera de Groenlandia en su hombro izquierdo y la de Islas Feroe en el derecho, dos regiones autónomas pertenecientes al Reino de Dinamarca. A este video le sigue el de Wanderlust, por Encyclopedia Pictura, que combina muñecos a gran escala, miniaturas, acrobacias y coreografías; y donde nuestra cantante del mes luce un atuendo tribal de la antigua Mongolia. Para terminar con la serie del Volta, acá tenemos el video de The Dull Flame of Desire, a dúo con Antony Hegarty (del grupo Antony and the Johnsons), realizado en tres partes por distintos directores. La primera parte, por Masahiro Mogari (de Tokio, Japón) muestra unos puntos blancos sobre fondo negro, moviéndose hasta formar los rostros de ambos cantantes. La segunda parte, por Marçal Cuberta Juncà (de Gerona, España), reproduce la imagen de Björk y de Antony en efecto sténcil (negro sobre blanco) mientras cantan. La tercera parte y final, por Christoph Jantos (de Berlín, Alemania), se compone de close-ups de la islandesa y del inglés sobre fondo negro, hasta fundir ambos rostros en uno. En Londres se hizo la edición final para unir las partes en el video.
Como epílogo de este Corre Video, un último video oficial sin pertenencia a disco de la cantante. Es el de The Comet Song, canción incluida en la película Moomins and the Comet Chase, cuya dirección corre por cuenta de Maria Lindberg, al igual que en el film. Es un trabajo de animación protagonizado por unas criaturas en 3D, unas vaquitas, un ratoncito y un espantapájaros, todos consternados por la llegada de un cometa a su apacible granja.
¿Una nueva noticia sobre Björk? Se viene nuevo disco para este 2011, y se llamará Biophilia, será el séptimo de su carrera. No hay fecha de lanzamiento aún, pero es de esperar que nuestra cantante del mes sorprenda a sus fans tal como lo hizo con sus seis discos de estudio anteriores. Mucho éxito para su próximo lanzamiento!
Así hemos repasado una videografía intensa, ecléctica, maravillosa, dramática, alucinante, provocadora... Sobran los adjetivos, pero nunca está de más el aprecio que la fanaticada tiene a este metro y medio de talento, madre de un hijo y una hija (Sindri, de 24 años, e Ísadóra, de 8), Musa Inspiradora de varias generaciones, dueña de un rostro que parece no envejecer a sus 45, adorada u odiada, pero nunca ignorada. Y por estos días, mientras reviso los videos, se abre el tema de discusión bajo varios de ellos: Entre Björk y Lady Gaga, ¿quién es más extravagante? Eso quedará para otra ocasión, pero al menos ambas cantantes se hicieron asesorar por Alexander McQueen (Q.E.P.D.), el diseñador que les creó piezas únicas para sus estilos.
Y bien, estimados/as, concluimos esta sección del mes con una mujer fuerte de la música, al igual que Alanis Morissette fue la elegida para Marzo de 2010. En Abril seguimos con otro artista a quien darle la bienvenida con las palabras mágicas: Corre Video! Hasta la próxima.
(PD: Si ven los dos videos de Big Time Sensuality, notarán que está el remix, que tuvo su rotación en Chile, en vez del original. Disculpen la ausencia del video con la otra versión)
domingo, 20 de marzo de 2011
Los 100 Más Grandes Covers de la Historia (del 55 al 41)
Ya estamos en la cuarta entrega de este recuento musical donde se incluyen canciones originales (o las versiones más populares) y su respectiva versión hecha por otro artista a modo de homenaje o de aprovechar el envión de la melodía primigenia para también ganar el respeto de otras audiencias. Les saludamos tanto Carrie Kasabian (C.K.) como Luis Alejandro (L.A.) y les invitamos a que vean la siguiente quincena de duplas seleccionadas ya entrando en la mitad que está más cerca del Olimpo musical... si no conocen alguna de éstas, ya es hora que lo vayan haciendo.
55.- For What It´s Worth (original de Buffalo Springfield y cover de Rush).
C.K.: La original sonaba algo hippie, Rush la renovó con guitarra más marcada, sin dejar de ser Power Trío.
L.A.: Geddy Lee y sus muchachos la hicieron simple para sus parámetros, pero le dieron un plus respecto a la original.
54.- Wonderwall (original de Oasis y cover de Mike Flowers Pops).
C.K.: Mike Flowers hizo que, por un momento, creyéramos que Oasis hizo el cover. Suena algo más alegre, como tipo Un Verano Naranja.
L.A.: Quedé totalmente desconcertado cuando escuché lo hecho por Mike Flowers. ¡Por un momento había pensado que mi canción favorita venía de los 50's!
53.- American Woman (original de The Guess Who y cover de Lenny Kravitz).
C.K.: Una nueva generación conoció American Woman gracias a Lenny Kravitz, quien la hizo hot hasta con el video.
L.A.: El original es más progresivo y Lenny lo tomó para lucimiento personal y de su guitarra.
52.- I'm Your Boogieman (original de KC & The Sunshine Band y cover de White Zombie).
C.K.: El cuco de KC no era para tomarlo en serio, pero el de White Zombie... ése sí que es cuco! Te pasaste, Rob...
L.A.: ¡Sí que asusta el cuco de White Zombie! Con el original hasta podías sacarlo a bailar.
51.- Everybody's Got To Learn Sometimes (original de The Korgis y cover de Beck).
C.K.: Si la versión de The Korgis era melancólica, Beck aumentó más esa atmósfera, un Beck alejado de las tornamesas y los efectos.
L.A.: Beck, el Rey de los arreglos intrincados, hizo algo muy simple y conmovedor con esta canción.
50.- Take On Me (original de A-Ha y cover de Reel Big Fish).
C.K.: Cambio sintetizador por banda ska! Así hizo Reel Big Fish, y parece que subiera al columpio a los noruegos en esta versión.
L.A.: Otra vez la clave ska...pero casi a ritmo de parodia.
49.- Under The Bridge (original de Red Hot Chili Peppers y cover de All Saints).
C.K.: Lindo cuarteto de voces, a pesar de que no está la estrofa que representa a Anthony Kiedis, "under the bridge downtown".
L.A.: Se distingue claramente cover de original... pero a las All Saints les faltó corazón.
48.- Go West (original de Village People y cover de Pet Shop Boys).
C.K.: La versión de Village People apunta más a ser himno gay, Pet Shop Boys le agregó sintetizadores y una connotación política.
L.A.: Es tomar el relevo de ir al paraíso de los homosexuales que es San Francisco; el mensaje no pierde vigencia, por más que el cover le dio tinte político.
47.- Kitty (original de Racey y cover de Toni Basil -"Mickey"-).
C.K.: ¿Qué diferencia a Kitty de Mickey? La última tiene grito de cheerleaders, y suena desenfadada e inofensivamente pop.
L.A.: La muestra de que, con unas leves correcciones, una canción simple puede pasar a ser un verdadero himno.
46.- Immigrant Song (original de Led Zeppelin y cover de Infectious Grooves).
C.K.: Huh! Me sorprendió ese detalle del bajo haciendo el riff de guitarra, y a falta del falsetto, unos efectos sonoros y vocales.
L.A.: Interpretar una canción tan reconocible y con tal nivel de habilidad instrumental y vocal no es fácil... había que darle una vuelta de tuerca.
45.- No Controles (original de Flans y cover de Café Tacvba).
C.K.: Café Tacuba hizo irreconocible No Controles, y si no fuera por la misma letra, parecería que no fuera un cover.
L.A.: De los arreglos extremadamente pop a una sonoridad de rock urbano.
44.- Against All Odds (original de Phil Collins y cover de The Postal Service).
C.K.: Nada de copiar arreglos, The Postal Service crea los suyos para que Ben Gibbard se luzca con la pureza de su voz.
L.A.: Se puede ser intenso con efectos casi de corte minimalista.
43.- Smoke on the Water (original de Deep Purple y cover de Señor Coconut).
C.K.: Cambiando la intensidad del riff de guitarra por una marimba y vientos, así abordó Señor Coconut este clásico, a lo latino.
L.A.: Creo que los más puristas del rock se van a espantar con este cover.
42.- White Lines (original de Grandmaster Flash & The Furious Five y cover de Duran Duran).
C.K.: Duran Duran versiona White Lines sin tomar el "Don't Do It!" ni los vientos, pero lo suyo es menos improvisado y más crudo.
L.A.: La gracia de Le Bon y los suyos es que pusieron a los originales en el cover... menos mal, de otro modo se habría salido de control.
41.- Can´t Help Falling In Love (original de Elvis Presley y cover de UB-40).
C.K.: Si bien la canción de Elvis suena muy emotiva, UB40 tiene a un vocalista muy afinado y hace más pausado su reggae para el cover.
L.A.: Se nota la cadencia reggae con un ritmo más pausado y con los bronces que están presentes en varios momentos.
Ya tenemos, entonces, un total de 120 canciones entre originales y covers que han pasado ante ustedes en las entregas de los días 30 de Enero, 14 de Febrero y 2 de Marzo conjuntamente con la de hoy. Esperamos hacerles llegar nuestra próxima publicación, avanzando más en la lista de Los 100 Más Grandes Covers de la Historia, el Lunes 4 de Abril próximo; así mismo, también anhelamos que nos hagan llegar vuestros comentarios, sugerencias e impresiones sobre quiénes podrían estar en lugares más altos. Dejamos el protagonismo a Uds. y, hasta una próxima aparición, se despiden vuestros melómanos servidores Carrie Kasabian (C.K.) y Luis Alejandro (L.A.).
55.- For What It´s Worth (original de Buffalo Springfield y cover de Rush).
C.K.: La original sonaba algo hippie, Rush la renovó con guitarra más marcada, sin dejar de ser Power Trío.
L.A.: Geddy Lee y sus muchachos la hicieron simple para sus parámetros, pero le dieron un plus respecto a la original.
54.- Wonderwall (original de Oasis y cover de Mike Flowers Pops).
C.K.: Mike Flowers hizo que, por un momento, creyéramos que Oasis hizo el cover. Suena algo más alegre, como tipo Un Verano Naranja.
L.A.: Quedé totalmente desconcertado cuando escuché lo hecho por Mike Flowers. ¡Por un momento había pensado que mi canción favorita venía de los 50's!
53.- American Woman (original de The Guess Who y cover de Lenny Kravitz).
C.K.: Una nueva generación conoció American Woman gracias a Lenny Kravitz, quien la hizo hot hasta con el video.
L.A.: El original es más progresivo y Lenny lo tomó para lucimiento personal y de su guitarra.
52.- I'm Your Boogieman (original de KC & The Sunshine Band y cover de White Zombie).
C.K.: El cuco de KC no era para tomarlo en serio, pero el de White Zombie... ése sí que es cuco! Te pasaste, Rob...
L.A.: ¡Sí que asusta el cuco de White Zombie! Con el original hasta podías sacarlo a bailar.
51.- Everybody's Got To Learn Sometimes (original de The Korgis y cover de Beck).
C.K.: Si la versión de The Korgis era melancólica, Beck aumentó más esa atmósfera, un Beck alejado de las tornamesas y los efectos.
L.A.: Beck, el Rey de los arreglos intrincados, hizo algo muy simple y conmovedor con esta canción.
50.- Take On Me (original de A-Ha y cover de Reel Big Fish).
C.K.: Cambio sintetizador por banda ska! Así hizo Reel Big Fish, y parece que subiera al columpio a los noruegos en esta versión.
L.A.: Otra vez la clave ska...pero casi a ritmo de parodia.
49.- Under The Bridge (original de Red Hot Chili Peppers y cover de All Saints).
C.K.: Lindo cuarteto de voces, a pesar de que no está la estrofa que representa a Anthony Kiedis, "under the bridge downtown".
L.A.: Se distingue claramente cover de original... pero a las All Saints les faltó corazón.
48.- Go West (original de Village People y cover de Pet Shop Boys).
C.K.: La versión de Village People apunta más a ser himno gay, Pet Shop Boys le agregó sintetizadores y una connotación política.
L.A.: Es tomar el relevo de ir al paraíso de los homosexuales que es San Francisco; el mensaje no pierde vigencia, por más que el cover le dio tinte político.
47.- Kitty (original de Racey y cover de Toni Basil -"Mickey"-).
C.K.: ¿Qué diferencia a Kitty de Mickey? La última tiene grito de cheerleaders, y suena desenfadada e inofensivamente pop.
L.A.: La muestra de que, con unas leves correcciones, una canción simple puede pasar a ser un verdadero himno.
46.- Immigrant Song (original de Led Zeppelin y cover de Infectious Grooves).
C.K.: Huh! Me sorprendió ese detalle del bajo haciendo el riff de guitarra, y a falta del falsetto, unos efectos sonoros y vocales.
L.A.: Interpretar una canción tan reconocible y con tal nivel de habilidad instrumental y vocal no es fácil... había que darle una vuelta de tuerca.
45.- No Controles (original de Flans y cover de Café Tacvba).
C.K.: Café Tacuba hizo irreconocible No Controles, y si no fuera por la misma letra, parecería que no fuera un cover.
L.A.: De los arreglos extremadamente pop a una sonoridad de rock urbano.
44.- Against All Odds (original de Phil Collins y cover de The Postal Service).
C.K.: Nada de copiar arreglos, The Postal Service crea los suyos para que Ben Gibbard se luzca con la pureza de su voz.
L.A.: Se puede ser intenso con efectos casi de corte minimalista.
43.- Smoke on the Water (original de Deep Purple y cover de Señor Coconut).
C.K.: Cambiando la intensidad del riff de guitarra por una marimba y vientos, así abordó Señor Coconut este clásico, a lo latino.
L.A.: Creo que los más puristas del rock se van a espantar con este cover.
42.- White Lines (original de Grandmaster Flash & The Furious Five y cover de Duran Duran).
C.K.: Duran Duran versiona White Lines sin tomar el "Don't Do It!" ni los vientos, pero lo suyo es menos improvisado y más crudo.
L.A.: La gracia de Le Bon y los suyos es que pusieron a los originales en el cover... menos mal, de otro modo se habría salido de control.
41.- Can´t Help Falling In Love (original de Elvis Presley y cover de UB-40).
C.K.: Si bien la canción de Elvis suena muy emotiva, UB40 tiene a un vocalista muy afinado y hace más pausado su reggae para el cover.
L.A.: Se nota la cadencia reggae con un ritmo más pausado y con los bronces que están presentes en varios momentos.
Ya tenemos, entonces, un total de 120 canciones entre originales y covers que han pasado ante ustedes en las entregas de los días 30 de Enero, 14 de Febrero y 2 de Marzo conjuntamente con la de hoy. Esperamos hacerles llegar nuestra próxima publicación, avanzando más en la lista de Los 100 Más Grandes Covers de la Historia, el Lunes 4 de Abril próximo; así mismo, también anhelamos que nos hagan llegar vuestros comentarios, sugerencias e impresiones sobre quiénes podrían estar en lugares más altos. Dejamos el protagonismo a Uds. y, hasta una próxima aparición, se despiden vuestros melómanos servidores Carrie Kasabian (C.K.) y Luis Alejandro (L.A.).
lunes, 14 de marzo de 2011
La Eterna Pareja de Barbie y su Medio Siglo
Hace unos días, en la TV, han pasado una efeméride en el mundo de los juguetes: el aniversario número 50 de Ken Carson, el muñeco novio de Barbie, aparecido dos años después que la famosa rubia. Esto me motivó a investigar más sobre esta figura masculina, echando mano a mi escrito sobre el medio siglo de Barbie y a un poco de información adicional. He aquí la historia de un muñeco que ha sido objeto de especulaciones infundadas sobre la relación (ficticia) con su pareja, su anatomía y su influencia en la cultura popular.
Era 1961 y la muñeca Barbie necesitaba una contraparte masculina. La empresaria Ruth Handler, la misma que tomó a la sex-doll Lilli para desarrollar el diseño de Barbie, creó para Mattel este hombrecito de plástico, el cual fue bautizado como uno de los hijos de Ruth, Ken. Un nombre corto y fácil de recordar para el muñeco que formaría la parejita ideal. El primer modelo de Ken podía mover su cabeza sólo a la izquierda y a la derecha, y sus brazos estaban estirados de modo que girara en 360º hacia adelante y hacia atrás; además de tener un estilo que se veía poco favorecedor por su peinado, moldeado en plástico igual que la cabeza. Recién en 1977 Ken pasó por un fashion emergency, con un peinado más de galán, cabeza giratoria, musculatura más marcada, una sonrisa que le marca unos hoyuelos (margaritas) en la cara, brazos doblados y su ropa interior tallada en el mismo plástico del cuerpo. Es lo que se llamó Superstar Ken, la edición fashion del muñeco.
Desde ese entonces, las niñas que tenían al menos una muñeca Barbie hallaron al perfecto compañero para fantasear con una vida en pareja. Sean las de los 60's, 70's, 80's, 90's y la actualidad, ellas pedían al Ken que estuviera de moda para hacerle pareja con la Barbie que tenían, o también podría ser el único entre tantas muñequitas, para que se lo pelearan como muchas mujeres deseaban al mismo hombre que llegaba al Club de Lulú. Con un par de muñecos de figura adulta (o más), su ropa y mucha imaginación, todo es posible. Y había un detalle que influía en el precio de la figurita: los brazos. Uno con los brazos en L era más caro que otro que los tenía estirados, pero los brazos en L le permitían mayor articulación, detalle atractivo para las niñas que pedían (y piden) Barbies y Kens.
Así como Barbie tenía sus detractores que la criticaban por ser un modelo pro-anorexia, Ken era objeto de controversias. Un detalle que provocó suspicacias es el calzoncillo color piel que llevaba marcado el famoso muñeco, que hacía dudar de su virilidad (¿será eunuco o no?). Es por esto que a sus detractores les sonaba poco creíble la relación de pareja con su novia, tal como ha sido con otras parejas de ficción, como Mickey y Minnie Mouse, o el Pato Donald y su Pata Daisy. Y no faltan los homofóbicos que desprecian la imagen de Ken por su apariencia, más bien de metrosexual. ¿Un ejemplo? El Ken de la serie Earring Magic Barbie, aparecido en 1993, cuyo look con visos rubios en su pelo castaño, camiseta de red, chaqueta de cuero violeta, una argolla colgando de su cuello y un arito en su oreja izquierda ha causado la ira de grupos conservadores (cuándo no). A pesar de su éxito, Earring Magic Ken fue descontinuado del mercado.
A pesar de que aún siguen las controversias sobre la imagen que proyecta el muñeco, Ken se puede considerar como un referente de la cultura pop, al igual que Barbie. Tal como su contraparte femenina, Ken ha representado diferentes personajes, tal como se pueden ver en el mercado y en el sitio de Barbie Collector, sección galería 2011. Para las niñas, están los Ken con vestuario desde príncipe azul hasta surfista. En las ediciones para coleccionistas, se le ha visto como Elvis Presley, Santa Claus, Aragorn (El Señor de los Anillos), Capitán Kirk, Señor Spock (ambos de Star Trek), los personajes de El Mago de Oz, Edward y Jacob de Crepúsculo y varios más.
¿Mi historia con Ken? Fue a comienzos de los 90's, cuando ya tenía unas pocas muñecas Barbie. El primer Ken que recibí de regalo era de cabello castaño claro, ojos azules, brazos doblados en L y vestido bien elegante, con traje sastre negro bien brillante, camisa rosada con rayas plateadas, humita negra y zapatos negros. Casualidad del destino o no, al Ken de ese entonces lo bauticé Alejandro. Después de ése me regalaron un Ken rubio con traje de baño y brazos estirados, al que llamé Julián. Y el último fue un Ken de raza negra vestido igual que el rubio (no recuerdo cómo lo bauticé, pero su nombre de fantasía es Steven), listo para formar pareja con la Barbie de su raza. Eran los hombrecitos de plástico que le hacían pareja a sus respectivas muñecas en mi mini-mundo, una comunidad multirracial como quería yo.
Este es mi humilde homenaje al novio de Barbie, al que afortunadamente nunca le llegaron los pelambres sobre su virilidad y masculinidad, al referente de modas, al que siempre recibirá con una sonrisa a cada niña que lo ve desde una juguetería, o bien cuando abre la cajita que lo contiene. Felices 50 años, Ken.
Era 1961 y la muñeca Barbie necesitaba una contraparte masculina. La empresaria Ruth Handler, la misma que tomó a la sex-doll Lilli para desarrollar el diseño de Barbie, creó para Mattel este hombrecito de plástico, el cual fue bautizado como uno de los hijos de Ruth, Ken. Un nombre corto y fácil de recordar para el muñeco que formaría la parejita ideal. El primer modelo de Ken podía mover su cabeza sólo a la izquierda y a la derecha, y sus brazos estaban estirados de modo que girara en 360º hacia adelante y hacia atrás; además de tener un estilo que se veía poco favorecedor por su peinado, moldeado en plástico igual que la cabeza. Recién en 1977 Ken pasó por un fashion emergency, con un peinado más de galán, cabeza giratoria, musculatura más marcada, una sonrisa que le marca unos hoyuelos (margaritas) en la cara, brazos doblados y su ropa interior tallada en el mismo plástico del cuerpo. Es lo que se llamó Superstar Ken, la edición fashion del muñeco.
Desde ese entonces, las niñas que tenían al menos una muñeca Barbie hallaron al perfecto compañero para fantasear con una vida en pareja. Sean las de los 60's, 70's, 80's, 90's y la actualidad, ellas pedían al Ken que estuviera de moda para hacerle pareja con la Barbie que tenían, o también podría ser el único entre tantas muñequitas, para que se lo pelearan como muchas mujeres deseaban al mismo hombre que llegaba al Club de Lulú. Con un par de muñecos de figura adulta (o más), su ropa y mucha imaginación, todo es posible. Y había un detalle que influía en el precio de la figurita: los brazos. Uno con los brazos en L era más caro que otro que los tenía estirados, pero los brazos en L le permitían mayor articulación, detalle atractivo para las niñas que pedían (y piden) Barbies y Kens.
Así como Barbie tenía sus detractores que la criticaban por ser un modelo pro-anorexia, Ken era objeto de controversias. Un detalle que provocó suspicacias es el calzoncillo color piel que llevaba marcado el famoso muñeco, que hacía dudar de su virilidad (¿será eunuco o no?). Es por esto que a sus detractores les sonaba poco creíble la relación de pareja con su novia, tal como ha sido con otras parejas de ficción, como Mickey y Minnie Mouse, o el Pato Donald y su Pata Daisy. Y no faltan los homofóbicos que desprecian la imagen de Ken por su apariencia, más bien de metrosexual. ¿Un ejemplo? El Ken de la serie Earring Magic Barbie, aparecido en 1993, cuyo look con visos rubios en su pelo castaño, camiseta de red, chaqueta de cuero violeta, una argolla colgando de su cuello y un arito en su oreja izquierda ha causado la ira de grupos conservadores (cuándo no). A pesar de su éxito, Earring Magic Ken fue descontinuado del mercado.
A pesar de que aún siguen las controversias sobre la imagen que proyecta el muñeco, Ken se puede considerar como un referente de la cultura pop, al igual que Barbie. Tal como su contraparte femenina, Ken ha representado diferentes personajes, tal como se pueden ver en el mercado y en el sitio de Barbie Collector, sección galería 2011. Para las niñas, están los Ken con vestuario desde príncipe azul hasta surfista. En las ediciones para coleccionistas, se le ha visto como Elvis Presley, Santa Claus, Aragorn (El Señor de los Anillos), Capitán Kirk, Señor Spock (ambos de Star Trek), los personajes de El Mago de Oz, Edward y Jacob de Crepúsculo y varios más.
¿Mi historia con Ken? Fue a comienzos de los 90's, cuando ya tenía unas pocas muñecas Barbie. El primer Ken que recibí de regalo era de cabello castaño claro, ojos azules, brazos doblados en L y vestido bien elegante, con traje sastre negro bien brillante, camisa rosada con rayas plateadas, humita negra y zapatos negros. Casualidad del destino o no, al Ken de ese entonces lo bauticé Alejandro. Después de ése me regalaron un Ken rubio con traje de baño y brazos estirados, al que llamé Julián. Y el último fue un Ken de raza negra vestido igual que el rubio (no recuerdo cómo lo bauticé, pero su nombre de fantasía es Steven), listo para formar pareja con la Barbie de su raza. Eran los hombrecitos de plástico que le hacían pareja a sus respectivas muñecas en mi mini-mundo, una comunidad multirracial como quería yo.
Este es mi humilde homenaje al novio de Barbie, al que afortunadamente nunca le llegaron los pelambres sobre su virilidad y masculinidad, al referente de modas, al que siempre recibirá con una sonrisa a cada niña que lo ve desde una juguetería, o bien cuando abre la cajita que lo contiene. Felices 50 años, Ken.
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