Un espacio dedicado a lo que vivimos, lo que amamos, lo que odiamos, lo que deseamos y lo que somos todos/as nosotros/as. La realidad de cada persona tal como es.
Qué tal, estimados/as, he vuelto con la sexta reseña de los Discos lanzados en 1997. Ésta ha sido una elección muy difícil, pues en algunos casos hay categorías que consideré como Electrónica o Compositor Histórico. En esta última, me debatí entre uno estadounidense de 71 años y un británico de 70, hasta que al final elegí a este último, en contrario a lo que pasó en los Grammys a Album del Año, detalle que explicaré más adelante. Es el décimo trabajo de estudio de este cantante y bajista, quien a sus 55 años venía a corroborar su trayectoria tras los años con The Beatles y Wings. En una edición de Discos Quinceañeros, es Sir Paul McCartney con su álbum Flaming Pie de 1997.
Es Febrero de 1995. Paul McCartney se asoció con Jeff Lynne, el líder de Electric Light Orchestra, quien es un ferviente fan de The Beatles. Jeff había co-producido Free as a Bird y Real Love, dos canciones de Anthology, un proyecto Beatle consistente en tres discos dobles y un libro con la historia del cuarteto de Liverpool. McCartney tenía la idea de producir un álbum más simple y puro, sin caer en la ostentación. Para esto, el ex-Beatle contó con Steve Miller, George Martin, Ringo Starr (nombre artístico de Richard Starkey), James McCartney (el hijo de Paul) y el ya mencionado Jeff Lynne. El 22 de Febrero de 1995, McCartney y su equipo iniciaron las grabaciones, y estuvieron casi dos años dando forma a lo que sería Flaming Pie. Entre las canciones que componen este disco, dos de ellas venían de una sesión de 1992, Calico Skies y Great Day. Éstas dos habían sido grabadas incluso antes de que Off The Ground, el anterior álbum de Sir Paul, se lanzara en 1993.
Para Flaming Pie, Paul McCartney, aparte de cantar y tocar bajo, también tocó guitarra, teclados, batería, percusión y harmonium. Su esposa Linda cantó y James McCartney tocó guitarra en la canción Heaven on a Sunday. Ringo Starr aportó la batería, percusión y voces, además de colaborar en las canciones Beautiful Night y Really Love You; Jeff Lynne cantó y tocó teclados y guitarra; y Steve Miller se puso con guitarra y voces para el tema Used to Be Bad. Además de todos ellos, hubo invitados que aportaron sección de cornos franceses, saxofones, trompeta y oboe. Y los arreglos orquestales corrieron por cuenta de George Martin, el productor conocido como "El Quinto Beatle". El ingeniero de sonido a cargo es Geoff Emerick, y la producción del disco está a cargo del mismo Paul McCartney junto a Jeff Lynne y George Martin. Todo esto fue necesario y más que suficiente para armar 14 canciones con el estilo que siempre ha caracterizado a Sir Paul.
En el Reino Unido se liberó el primer adelanto de Flaming Pie, el single Young Boy, en Abril 28 de 1997. Esta alegre melodía con guitarra acústica logró un meritorio #19 en el UK Singles Chart. Unos días después, el 5 de Mayo, se lanzó el disco Flaming Pie, vía EMI y Parlophone Records, para todo el mundo, que alcanzó el #2 en el Billboard 200 y la misma ubicación en el UK Albums Chart. Un día después, 6 de Mayo, fue lanzado The World Tonight como segundo single para Estados Unidos, mientras que el estreno en el Reino Unido fue el 7 de Julio. Como tercer single y final de la promoción de Flaming Pie se lanzó Beautiful Night, el 15 de Diciembre de 1997. Este single se acompañó de un video dirigido por Julian Temple, que incluyó una breve escena de una mujer nadando sin ropa, que obligó a la reedición del mismo. Y además de Paul, apareció Ringo y fue la última vez que veríamos a Linda McCartney en un videoclip de su esposo, antes de su fallecimiento en 1998 a causa del cáncer mamario. Mención aparte merece Little Willow, una canción que Sir Paul escribió sobre Maureen Cox, la primera esposa de Ringo, fallecida de cáncer en 1994. Paul era muy amigo de Maureen y de los hijos que ella tuvo con Ringo, de ahí la inspiración.
La recepción del disco fue muy favorable, haciendo que Paul McCartney tuviera los mejores comentarios por parte de la crítica desde Tug of War, su álbum de 1982. El #2 alcanzado en el UK Singles Chart fue su mejor nuevo ingreso al ranking desde Flowers in the Dirt, su lanzamiento de 1989 que fue #1 en la lista británica. Y en los Premios Grammy de 1998, estuvo nominado a Álbum del Año, pero perdió el galardón ante Time Out of Mind de Bob Dylan, otro lanzamiento de 1997.
Ahora, la ficha técnica, como corresponde. Los enlaces a video oficial corren para Young Boy, Calico Skies, Little Willow y Beautiful Night, mientras que los otros diez temas van con su pista de audio. En el caso de The World Tonight, el tema es más corto en el video (3:55 contra 4:06 del disco), el cual pueden ver en este enlace. Repasemos...
FLAMING PIE
Paul McCartney
EMI/Parlophone
53:44, 1997.
Lo que acabamos de reseñar es un disco muy tranquilo, que evoca la sensación de estar en medio de un paisaje rural, o de estar en vacaciones en la casa de campo, mientras imaginamos que McCartney está cocinando, echando una buena conversa o invitando a la fogata donde él toca estas canciones. Un álbum nostálgico al igual que la foto de portada, que sencillamente es uno de los mejores discos del ex-Beatle y un imprescindible de 1997. Y para coronar esta reseña, les dejo con Calico Skies en vivo en Kiev, 2008. Disfrutemos juntos/as de la grandeza de Sir Paul.
Y así terminamos con la sexta reseña de los Discos Quinceañeros. La siguiente entrega será en unos días, donde les dejaré con otra maravilla que cumplió 15 años este 2012. Hasta la próxima!
Qué tal, estimados/as, soy yo de nuevo con una reseña discográfica de 1997. El siguiente artista que traigo a esta sección es el primero de tres chilenos que destaco para los 15 mejores álbumes lanzados hace 15 años. Al igual que el caso de Molotov, es un disco debut el que destaco, y fue la piedra angular del renacimiento del hip-hop en el Chile de los 90's. Si han visto el disco en alguna tienda, se seguro habrán notado el detalle de un clavo de 4" en la cajita del CD, al lado de la foto en sepia que ilustra la portada. En la quinta edición de Discos Quinceañeros, es la banda chilena Tiro de Gracia con su álbum Ser Humano!!, de 1997.
A comienzos de los 90's, los MCs Juan Sativo (Juan Alberto Salazar, llamado antes Juan Pincel) y Lenwa Dura (o Lengua Dura, nombre artístico de Amador Fabián Sánchez) formaron Tiro de Gracia, banda que contó con Explícito tiempo después. Inicialmente, se presentaban en vivo con bases mezcladas en cassette por DJ Raff de La Pozze Latina, y con este sistema de trabajo, más la colaboración de DJ Barsa, el grupo lanzó dos producciones independientes, Arma Calibrada y Homosapiens, que se distribuyeron entre los fanáticos del hip-hop de mano a mano. Ese panorama underground comenzaría a cambiar para Tiro de Gracia cuando, en 1996, fueron a un programa de televisión dedicado al hip-hop, ideado por la productora audiovisual Cubo Negro y el director de TV Juan Sebastián Domínguez. Esta presentación impresionó a todos los presentes y el director presentó al grupo a Patricio Loayza y Camilo Cintolesi, músicos y estudiantes de sonido. Con Cintolesi en composición, arreglos y programación; y Loayza, también llamado Adonay, en teclados, samplers y textos, Tiro de Gracia graba El Demo Final, donde también participa Zaturno (Juan Lagos), un joven de 15 años por ese entonces. Este material se difundió en Radio Rock and Pop y Radio Zero, y se presentó al sello EMI. La respuesta por parte de la disquera no se hace esperar y en Noviembre de 1996, Tiro de Gracia firma contrato con EMI. Ya empiezan a grabar su primer disco multinacional.
A fines de 1996, Tiro de Gracia había colaborado con Los Tetas, con un graffiti que aparece al final de su video Corazón de Sandía, a la vez que Juan Sativo rapeó para el tema Cha-Cha-Cha. Eso motivaría a Los Tetas a devolverles la mano para el disco que Tiro de Gracia estaba preparando. Ese álbum se comienza a grabar en Marzo de 1997, en los estudios Konstantinopla de EMI, y en Junio de ese año, el resultado se hizo notar. Con las voces de Juan Sativo, Lenwa Dura y Zaturno, Tiro de Gracia creó 16 canciones (más cinco tracks que son locución) que dieron origen a Ser Humano!! (o Ser Hümano!!, como sale escrito en la carátula del disco), su debut multinacional. En la producción están Camilo Cintolesi, Patricio "Adonay" Loayza, DJ Raff (Rafael Pérez, colaboró con Chancho en Piedra y La Pozze Latina, entre otros) y Gastón "Cenzi" Gabarró (quien tocó en Makiza). Como músicos y cantantes invitados, participaron Carlos Cabezas, Ema Pinto (de Matahari), Quique Neira, DJ Raff, Joe Vasconcellos, Pedro Foncea y los ya mencionados Los Tetas, entre otros. Por poner un ejemplo de estas colaboraciones, Los Tetas participaron en la canción Nuestra Fiesta (Okupa, Segura y No Molesta).
El primer single de Ser Humano!! es El Juego Verdadero, que incluye un sample de la canción Just the Two of Us, de Grover Washington Jr. y Bill Withers; con las voces de los tres MCs. Tras éste, viene como segundo single Melaza, que alude al producto derivado de la caña de azúcar; con voz principal de Juan Sativo y el final por Zaturno, con acompañamiento de Lenwa Dura. El tercer single elegido es Viaje sin Rumbo, una cruda historia sobre drogadicción, delincuencia, marginalidad, SIDA, sexo inseguro y embarazo adolescente; todo esto en voz principal de Lenwa Dura y la improvisación final de Zaturno y Juan Sativo. Y el cuarto sencillo es Chupacabras, una mofa burlesca y despreciativa a un hombre que mató varias mujeres, rapeada principalmente por Juan Sativo más partes de Zaturno y Lenwa Dura. Todos estos singles y la rotación de sus videos en MTV contribuyeron al éxito de Ser Humano!!, que incluso superó en ventas a Fome de Los Tres y Sueños en Tránsito de Nicole; y le pavimentó el camino a otros grupos (apoyados por otros sellos) como Frecuencia Rebelde, Makiza, Rezonancia y Mamma Soul, aparte de otro disco de la Pozze Latina.
Como bien saben, acá va la ficha técnica de rigor, con su tracklist. Los enlaces a video oficial corren para El Juego Verdadero, Viaje sin Rumbo, Chupacabras y Melaza. Aunque la crítica hace mención a 16 temas muy variados, la numeración oficial en su carátula trasera considera 21 tracks, incluyendo las breves locuciones; y es ésta la numeración que aplico en esta ficha. No he podido encontrar enlace para la locución Puntos de Vista, pero para compensar, dejo el enlace al álbum completo. Repasemos...
SER HUMANO!! Tiro de Gracia
EMI Odeón
53:12, 1997.
Aunque Tiro de Gracia no es lo mismo que en 1997, especialmente desde el disco Decisión (1999) en adelante, vale la pena recordar su debut, hecho en los buenos tiempos de Juan Sativo, Lenwa Dura, Zaturno y compañía. Bien vale mencionar a la revista Rolling Stone, que destacó Ser Humano!! como uno de los 50 mejores discos chilenos de la historia. Y como forma de coronar este escrito, les dejo con un video que despertará pura nostalgia: es Tiro de Gracia interpretando El Juego Verdadero en el programa Arriba las Manos del Canal 2 Rock and Pop, un año antes de que saliera el disco debut (N de la R: en el minuto 2:00 empieza la canción). Disfrutemos por los buenos tiempos del hip-hop chileno.
Y así doy término al quinto capítulo de los Discos Quinceañeros. Quedan diez por destacar, entre chilenos y extranjeros. En unos días revelaré cuál es el sexto de esta selección. Hasta la próxima!
Qué tal, estimados/as, soy yo retomando la lista de los 15 discos destacados de 1997. En esta edición dejamos al primer artista en español, tras las tres anteriores donde destaqué a Oasis, Foo Fighters y Björk. En este caso, es un grupo mexicano que sacudió a MTV con su actitud políticamente incorrecta, a la vez que desató la ira de los conservadores con la carátula de su disco debut. Pero tras esa imagen de la escolar bajando del auto con sus calzones abajo, hay canciones de contenido social envueltas en fuertes influencias de Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers, un cóctel musical que desafió a la censura y pavimentó exitosamente la carrera de esta banda. En otra edición de Discos Quinceañeros, es la Maldita Molotov con su debut discográfico ¿Dónde Jugarán las Niñas?, de 1997.
El contexto de la música popular mexicana era muy diverso a mediados de los noventas. Por un lado, la industria musical imponía su visión de una juventud alegre y sin rebeldía, desde Maná (los Dorian Gray del pop mexicano) hasta artistas prefabricados como Garibaldi o Paulina Rubio. Por otro lado, MTV ayudó a difundir la otra música mexicana, desde la consagración de Café Tacuba hasta grupos como la Maldita Vecindad o La Lupita. En ese escenario, una banda comenzó a difundirse tras telonear a Héroes del Silencio y a La Lupita: eran los muchachos de Molotov. Esos dos shows fueron su pistoletazo de salida, que mostraron algo nunca antes visto en el rock mexicano. Las temáticas que hablan desde las críticas al gobierno hasta las fiestas y mujeres, la utilización de dos bajos y su fusión de estilos (desde el rap y el rock hasta la cumbia y el funk) son las características que hacen de Molotov la banda que es.
Molotov está formado por Tito Fuentes, en guitarra y voz; Miky Huidobro, en bajo y voz; Paco Ayala, en bajo, acordeón y voz; y el estadounidense Randy Ebright, en batería y voz. Cuando quedaron con esta formación estable, vivían tiempos difíciles, tenían que vender sus cassettes a la salida de los conciertos. Mientras teloneaban a Illya Kuryaki and the Valderramas, un cazatalentos del sello Universal les propuso grabar un disco. Entraron a grabar en Noviembre de 1996, bajo las órdenes de Aníbal Kerpel y Gustavo Santaolalla, una dupla de productores de prestigio, que a la postre producirían los siguientes discos del grupo. En 12 canciones, Molotov combinó funk, metal alternativo, hip-hop y varios estilos con ácidas críticas al gobierno (no sólo mexicano) y alusiones a las fiestas. Este lanzamiento se dio en Marzo de 1997, bajo el nombre ¿Dónde Jugarán las Niñas?, una parodia al disco de Maná ¿Dónde Jugarán los Niños? (1994), y a la vez, alude a la canción Where Will the Children Play (1970) de Cat Stevens.
Como todo entra por la vista, Molotov causó controversia por la portada de su debut: una estudiante bajando de un automóvil con su ropa interior bajada hasta las rodillas, enfundada en uniforme de la Secundaria Diurna del sistema público, incluyendo una faldita corta, y con una edad deducible entre 12 y 15 años. Esta foto de portada, sumada a las temáticas de sus letras, hizo que algunas disquerías se negaran a vender este álbum debut de Molotov. En protesta contra la censura, el grupo salió a vender sus discos en la calle, y en menos de cuatro horas vendieron más de 3000 copias. Así cultivaron una base de fans que crecería a lo largo de su carrera.
El primer single de ¿Dónde Jugarán las Niñas? es Voto Latino, donde aluden a la diversidad cultural en el país, no solamente aplicable a México, y proclaman su odio a la raza asesina, esa que agrede o mata a los grupos étnicos (negros, latinos, etc). Tras éste se lanzó Gimme Tha Power, una crítica al gobierno sobre cómo está manejando la situación con el pueblo. La elección del tercer single no estuvo exenta de polémicas: Puto. La palabra en cuestión ofendió a las minorías sexuales, pero los muchachos de Molotov aluden con este título a la gente floja, que no da un peso ni pizca de voluntad por mejorar su situación. Como cuarto single eligieron Cerdo, una canción que trata sobre un hambriento y robusto personaje que come a destajo lo que sea, desde Big Mac's hasta los bocadillos que le ofrecen gratis en el supermercado. Y también destaca el tema Que No te Haga Bobo Jacobo, donde critican al reportero de TV mexicano Jacobo Zabludovsky, quien se presume que recibió sobornos del presidente Carlos Salinas, para esconder la verdad al pueblo en su noticiero. Molotov no se ahorra palabras para desenmascarar a Jacobo, dejándolo como impostor, charlatán y traidor.
Ahora, el tracklist de rigor, como lo hicimos con los tres discos anteriores. El enlace a video oficial corre para Voto Latino, Gimme Tha Power, Puto y Cerdo, el resto va con su pista de audio en el álbum. Repasemos...
¿DÓNDE JUGARÁN LAS NIÑAS? Molotov
Universal Music
44:36, 1997.
En resumen, nos encontramos con un disco de una honestidad brutal en sus letras, que ha dejado una huella en el rock mexicano y latinoamericano en general. Es un debut muy certero de una de las bandas más importantes del país azteca, un grupo que, como lo dice su nombre, es incombustible. Lo antes expuesto corrobora que este primer trabajo de Tito, Miky, Paco y Randy merece estar entre los 15 discos notables de 1997. Y para coronar este escrito, les dejamos con Molotov interpretando Gimme Tha Power en el Festival de Viña del Mar, en 2004. Disfruten y Viva México Cabrones!
Y así damos por terminada la cuarta entrega de los 15 álbumes destacados en su 15º Aniversario. Ya hemos destacado a Oasis, Foo Fighters, Björk y Molotov. El quinto disco de 1997 está por verse en unos días. Hasta la próxima!
Qué tal, estimados/as, soy yo de nuevo, esta vez con un paréntesis al recuento de discos de 1997. Es a propósito de una efeméride que representa al mundo del cual me siento parte. Vamos viendo...
Hace 28 años, un 20 de Julio de 1984, se estrenó La Venganza de los Nerds, una comedia que satiriza la vida social en un campus universitario. Así lo corrobora su afiche promocional, donde los dos Nerds protagonistas son besados por dos atractivas cheerleaders a la vez que pisotean a los musculosos winners. En esta historia, dos buenos amigos nerds, Lewis Skolnick (Robert Carradine) y Gilbert Lowe (Anthony Edwards) ingresan al Adams College para estudiar Computación. En este entorno sufren la discriminación por parte de los Alpha Betas, un grupo de fraternidad conformado por jugadores de fútbol americano de la escuela, bien musculosos y matonescos. Ante los tratos que reciben el par de nerds y otros socialmente estigmatizados, encuentran una casa abandonada para usarla como su sede de fraternidad.
No solamente los Alpha Betas molestan a los Nerds, también está otra fraternidad llamada Pi Delta Pi, quienes se unen a los matoncitos para segregar a los protagonistas. Gilbert y Lewis no encuentran ninguna fraternidad a la cual unirse. Pero no todo está perdido para los Nerds: conocen a U.N. Jefferson (Bernie Casey), el jefe de la fraternidad Lambda Lambda Lambda (o Tri-Lambs), quien finalmente los acepta en su grupo. La forma de agradecer esa bienvenida es con una fiesta, que resulta ser exitosa gracias a una comunidad de chicas gordas o geeks lideradas por Judy, una acordeonista, y una buena cantidad de marihuana. Y será el primer paso para que los Nerds concreten su venganza contra los grupos que les hacen bullying en ese campus.
Esta reseña de la película es para contextualizar una realidad que se vive en muchas partes, especialmente en los colegios y otros establecimientos educacionales. De partida, no es fácil traducir al español el término Nerd, aunque se le asocia mucho al mateo del curso, al computín, a la estudiosa que no ha besado a nadie, o a quienes son estereotipados injustamente de losers. El o la Nerd, más que ser un estereotipo definido, se debe a su entorno. Siempre está ese grupo de gente que se sabe (o se cree) exitosa, como los galanes y las chicas fashion (o jugadores de fútbol americano y cheerleaders, en la versión estadounidense), que molesta a los/as Nerds porque no tienen cuerpos perfectos, porque no tienen arrastre con el sexo opuesto, porque no son herederos de una millonaria fortuna, por varias razones. Los y las Nerds se sienten más cómodos en ambientes alejados de las fiestas de gente linda, en lugares donde puedan compartir sus intereses con gente similar, o en sus propios hogares.
Si de intereses hablamos, la gente Nerd va por la computación, los libros, las series de TV, las películas o los cómics, entre varios que alimenten su cerebro. Pero igual no todas se incluyen entre sí: un Nerd puede o no ser un experto en computación, pero a los computines se les suele meter en el saco de los Nerds. Los/as Nerds no buscan agradar a quienes les hagan bullying, pero si hay personas que toleren su forma de ser, serán agradecidos/as. Y aunque en las películas suelen ser retratados/as con lentes de marco grueso, los/as Nerds no necesariamente los usan. Eso sí, el Nerd puede ser un hombre o una mujer que no dé con los cánones de belleza tan sobrevalorados, más bien es una persona con algún rasgo distintivo, sea en el rostro o en el resto del cuerpo. Es lo que se llama la belleza oculta o belleza interior, esa que deja traslucir sus actos de buena humanidad.
En la cultura pop, hay varios referentes de Nerds fuera de la exitosa saga. En el cine, la aparición del joven George McFly (Crispin Glover) en Volver al Futuro (1985) podría corresponder a un Nerd, por la manera en que lo trataban los matoncitos del colegio. Pero este buen muchacho, aficionado a escribir historias de ciencia-ficción, dio un giro de tuerca que le cambió su personalidad, bien lo saben quienes vieron la película. En una versión femenina, está Josie Geller (Drew Barrymore), la protagonista de Jamás Besada (1999), quien, a pesar de desempeñar un buen trabajo como editora, nunca recibió un beso en sus años de colegio, además de ser estigmatizada como la fea del curso. Y cuando se infiltra en ese mismo colegio, haciéndose pasar por una joven de 17 años, conoce a Aldys (Leelee Sobieski), una genio que sufre las constantes burlas de las chicas populares. En la música, quien es más catalogado como Nerd es Rivers Cuomo, el vocalista de Weezer, principalmente por su apariencia y sus lentes. Y así podemos dar con varios referentes que se ven como Nerds en sus respectivos entornos.
¿Y por qué tanto interés por el mundo Nerd? Porque yo me considero Nerd. Antes, hace unos 15 ó 16 años, me molestaba ese término. Yo me preocupaba de sacar buenas notas más que de tener una apariencia de mina. Eso sí, no descuidaba (y no descuido) mi higiene personal y el vestuario, bien limpio, bien ordenado y con todo en su lugar. Me cargaban todos los convencionalismos de toda mina (o "niña bien", como decían en los 80's), los jeans apretados, los petos, las minifaldas, los colores fluorescentes o cítricos, los accesorios en el pelo, el maquillaje que hacía parecer adulta joven a una quinceañera, y especialmente, la teleserie Adrenalina. Pero toda esa etapa de negación fue decantando en una afirmación de mi ser, en una búsqueda de identidad musicalizada por Radiohead (la principal banda de mi adolescencia) y apoyada en mis ganas de dibujar. La radio me acompañó en esos tiempos, desde que salí del colegio a los 19 hasta casi los 25 años. Pero lo que más me afirmó ha sido una familia, mayoritariamente femenina, que ha demostrado quererme, sea o no Nerd.
Ahora que pasé de los 30 años y medio, reafirmo que soy Nerd. Lo aprendí de uno de mis héroes musicales, el ya mencionado Rivers Cuomo. Este cantante, quien nació con su pierna izquierda más corta que la derecha (4.4 cms. de diferencia), demostró al mundo que sus lentes, su falta de tatuajes y su vestuario a la antigua podían ser aceptables en el mundo del rock, ese mundo lleno de testosterona, actitud desbordante y chicas sexies. Rivers venció a los pelambres y desarrolló exitosamente su carrera con Weezer, teniendo como puntos altos los homónimos Verde y Azul (1994 y 2001, respectivamente).
Y fue la vida en general lo que ayudó a reafirmarme como Nerd. El mundo no es como lo pintan en la tele o en las películas, no siempre la chica linda se casa con el galán y vive su cuento de hadas. Los Nerds no somos parte del decorado, tenemos sentimientos, podemos sufrir por alguna razón, enamorarnos, desarrollar una relación amorosa, experimentar todo tipo de placer, ser exitosos/as en cualquier arte o trabajo que desee emprender e incluso formar una familia. De verdad sentí que el tiempo y mis convicciones me dieron la razón y encontré a mi pareja sentimental, quien corroboró mi postura ante la vida. Y a diferencia de la película, no inicié ninguna venganza, nadie salió herido, sino que me hice valer como persona.
Todo lo anterior es para generar una propuesta: Como La Venganza de los Nerds fue estrenada un 20 de Julio, quiero proponer este día como el Día del Orgullo Nerd. Hoy, el 2013 y los años que vengan, quiero saludar a toda la gente que se siente Nerd, haya tenido o no su venganza, revancha, segunda oportunidad o como quiera llamarle. No somos losers, somos Nerds!
Y para coronar este escrito, les dejo con el trailer de La Venganza de los Nerds, donde se anuncia que su momento ha llegado. Seamos felices, estimados/as, y hasta la próxima!
Qué tal estimados/as, soy yo de nuevo con otra edición del especial 1997. El tercer álbum en ser reseñado es el cuarto de una cantante muy inclasificable en su estilo. Lejos de su debut discográfico nacional en 1977, de su carrera con The Sugarcubes y de sus dos discos noventeros de dance alternativo, ella quiso dar un paso más adelante con esta producción. En ese entonces tenía 31 años y las ideas muy claras sobre la dirección musical que deseaba tomar en el '97, una perfecta combinación de electrónica y arreglos orquestados con cuerdas. Y la carátula siguió la lógica de sus dos anteriores: no necesitaba poner su nombre en la portada, ya la reconocemos al ver el rostro de esta islandesa que parece no envejecer, ataviada con un traje de guerrera oriental y dos grandes moños en su cabeza. Sí, gente, en una edición de Discos Quinceañeros, presentamos a Björk con su álbum Homogenic.
Era 1996 y Björk estaba finalizando el exitoso tour de su disco Post, ése que trajo al mundo hits como Army of Me, It's Oh So Quiet y Hyperballad, entre otros. Tras esto, la cantante halló urgente volver a su hogar en Maida Vale, al sur de Londres, para escribir nuevas canciones a modo de terapia. Para este propósito, invitó a su casa al ingeniero de sonido Markus Dravs (James, David Byrne, Arcade Fire) para crear estas canciones. Björk le dio total libertad a Dravs con cualquier sugerencia que le ayude a dar forma a estas grabaciones, y estuvieron tan inspirados en esta creación que la islandesa dejaba el estudio sólo para cocinar para ambos. Pero la tranquilidad de estas sesiones se alteró con la atención que los medios le dieron al incidente que afectó a Björk: un fan obsesivo, Ricardo López, le había enviado una carta-bomba a su hogar en Londres en 1996, hecho que terminaría con la Policía Metropolitana londinense interceptando el objetivo y con Ricardo suicidándose. Esto casi sumió en una depresión a la cantante, pero le inspiró una canción, So Broken, que estaría en la edición japonesa del disco de 1997. Björk necesitaba más privacidad para crear este álbum, y fue su baterista de tour, Trevor Morais, quien le ofreció su estudio en Málaga, España, llamado El Cortijo. Y de paso, se alejaría de la escena londinense y renegaría de esa linda imagen pop que vimos en videos como Big Time Sensuality o I Miss You.
Ya instalada en Málaga, concertó un encuentro con el guitarrista de flamenco Raimundo Amador. Inicialmente la cantante estaría por muy poco tiempo en Málaga, pero después decidió grabar la totalidad del álbum en esta ciudad. Se dio un tiempo para dejar España de forma temporal y promocionar el disco de remixes Telegram, en una gira de dos semanas. De vuelta a la Madre Patria, Björk decidió que no contaría más con el productor Nellee Hooper, el responsable de Debut y Post. ¿Razones? "Ya dejamos de sorprendernos el uno al otro", en palabras de la intérprete de Army of Me. Tras intentar producir sola el álbum, abandonó la idea y reunió a un grupo de colaboradores cercanos, incluyendo a Markus Dravs, Howie B (el músico y productor Howard Bernstein, quien había trabajado en Debut y Post), Guy Sigsworth (quien tocó clavecín en Post) y Mark Bell (del grupo LFO). Con este equipo de productores armó la parte electrónica del disco. La otra parte, las cuerdas, se agregó en el proceso de grabación. El compositor brasileño Eumir Deodato es el encargado de dirigir la orquesta y armar piezas que ella no podía componer por su cuenta, y el conjunto elegido es el Octeto de Cuerdas de Islandia, acorde con la esencia de la cantante.
Lo que inspiró a Björk antes de la producción de este disco fue su natal Islandia. Ella lo explica con la dualidad entre la naturaleza y la tecnología, los fenómenos naturales incontrolables (géiseres, volcanes, terremotos) versus la gente que posee un computador (en ese entonces, un número más elevado de usuarios/as que en otros países del mundo). El rango vocal de la islandesa va desde los gritos primitivos hasta el método tradicional de canto empleado por coros masculinos de su país. En las letras, las temáticas recurrentes son el amor y las relaciones fallidas. Prueba de esto es All Is Full Of Love, que explica así: "El amor no es solamente entre dos personas. Está alrededor de ustedes". En la otra arista, la canción Immature fue escrita sobre los errores que Björk tuvo en relaciones anteriores, después de la ruptura con el músico Goldie. Y todas esas temáticas tratadas en Homogenic, este cuarto álbum (y tercero de los 90's) son reflejadas en la carátula, donde la artista luce un traje diseñado por Alexander McQueen (1969-2010). La idea que dio Björk a McQueen es que la persona que escribió estas canciones "tuvo que volverse guerrera. Una guerrera que tuvo que pelear no con armas, sino con amor".
El 22 de Septiembre de 1997 se lanzó el álbum Homogenic, bajo etiqueta One Little Indian. Esa misma fecha apareció el primer single, Jóga, una oda a Islandia que combina elementos de electrónica con estilos barroco y clásico. El segundo single es Bachelorette, lanzado en Diciembre 8 de 1997, escrito por Björk y el poeta islandés Sjón (con quien escribió Jóga), que originalmente iba para una película de Bernardo Bertolucci. La temática de este sencillo está concebida como la continuación de la trilogía iniciada por Human Behaviour e Isobel, de los anteriores discos. En Marzo 24 de 1998 se lanzó el tercer single, Hunter, caracterizado por esos redobles que suenan desde el comienzo, junto con los violines que le aportan una atmósfera de misterio. El cuarto single es Alarm Call, lanzado en Noviembre 30 de 1998, que rompe con la estática de cuerdas vs. beats volcánicos. En su video oficial, aparece este Radio Mix por Mark Bell y Andy Bradfield (3:52, más corta que en el álbum). Con All Is Full of Love termina la serie de singles del Homogenic. Este quinto sencillo tuvo dos lanzamientos: en Noviembre 1 de 1998 se liberó la versión remezclada por el dúo alemán Funkstörung (en el tracklist aparece como "Howie's Version") y en Junio 7 de 1999 se lanzó la versión original, con arreglos de orquesta y clavecín por Guy Sigsworth. Esta última es la que aparece en su video oficial y en el soundtrack de la película Stigmata (1999).
Y como es la costumbre, como con los álbumes de Oasis y Foo Fighters ya reseñados, vamos revisando el tracklist del disco. Los enlaces a video oficial corren para Hunter (modificando extensión del video con la pista original del álbum), Jóga, Unravel, Bachelorette y Pluto. En el caso de Alarm Call y de All Is Full of Love, está la pista de audio igual que en el resto del álbum. Repasemos...
Las críticas a Homogenic han sido muy favorables desde su lanzamiento. Se le ha concebido como una obra maestra de Björk, una joya de la electrónica de 1997. Sólo por citar a un crítico, Sal Cinquemani de Slant Magazine: "Si no es el álbum más grande de la electrónica, es ciertamente el mejor de su década". Desde Islandia con mucha dedicación, es el disco que merece un lugar entre los 15 destacados de 1997, en su década y media de aniversario. Y para coronar esta reseña, les dejamos con una joyita en vivo: es Björk, con orquesta y todo, intepretando Jóga en el Royal Opera House. Disfruten, estimados/as...
Y con esto doy por cerrado el tercer post de los Discos Quinceañeros. Ya pasaron Oasis, Foo Fighters y Björk, ¿quién sería el cuarto? Lo revelaré en el siguiente artículo, en poco más de una semana (me tomo un paréntesis con otro tema). Hasta la próxima, estimados/as.
Qué tal, estimados/as, soy yo de nuevo recordando discos de 1997. El segundo en ser repasado es la segunda producción de una banda estadounidense. Es lo que vino tras el proyecto que un hombre solitario emprendió dos años antes, haciéndose cargo de todos los instrumentos. En 1997 ya no estaba solo, había reunido a unos músicos tras el anterior lanzamiento para tocar en vivo y armó junto a ellos el sucesor de ese debut. Unas bolitas plateadas sobre un fondo azul y el nombre de la banda en rojo (con las estilizadas FF) son los elementos que componen su carátula, tras la cual hay 13 canciones que hasta ahora elevan a ese álbum como el mejor de este grupo. En otra edición de Discos Quinceañeros, es Foo Fighters con su producción The Colour and the Shape.
Ese hombre solitario es Dave Grohl, quien se encontraba muy deprimido tras la muerte de su ex-compañero de Nirvana, Kurt Cobain. En un momento dudó en seguir componiendo música, pero recibió el empuje para seguir adelante. Antes de la separación de Nirvana, Dave había escrito algunas canciones que terminaron en el disco debut que él grabó bajo el nombre Foo Fighters, identidad utilizada para ocultar la propia. Este nombre es el término que emplean los pilotos de la Segunda Guerra Mundial para describir los OVNIs, y refleja la obsesión del músico por la ciencia ficción. Para el primer disco, Dave grabó sus guitarras, voz, bajo y batería, salvo el aporte de guitarra por Greg Dulli (The Afghan Whigs, The Gutter Twins) en la canción X-Static. Para promocionarlo, el ahora cantante y guitarrista se hizo acompañar por el bajista Nate Mendel (quien se había salido de Sunny Day Real Estate), el guitarrista Pat Smear (nombre artístico de George Ruthenberg, quien tocó con Nirvana en su Unplugged) y el baterista William Goldsmith (también de Sunny Day Real Estate). Cuando ya venían las grabaciones del siguiente álbum, el nombre Foo Fighters ya comprendió a la totalidad de los músicos. Empieza un capítulo nuevo para Dave Grohl y los suyos...
Dave Grohl ya estaba decidido a volver al estudio, y su motivación fue "No queremos que la gente sienta que (Foo Fighters) es sólo otra banda paralela". El productor elegido es Gil Norton, quien había trabajado con Pixies. Las canciones de lo que sería ese nuevo álbum fueron compuestas durante las pruebas de sonido que tenía la banda en los últimos 18 meses de gira. En el intertanto, y en un tema más personal, Dave Grohl se había separado de su primera esposa, la fotógrafa Jennifer Youngblood. Después de dos semanas de búsqueda, durante las cuales Norton y Grohl "descomponían las canciones a lo absolutamente básico" en la habitación de hotel del músico, iniciaron grabaciones en los Bear Creek Studios en Woodinville, Washington, un 18 de Noviembre de 1996.
Donde más notaron que debía mejorarse el trabajo fue en la batería, del cual sólo quedaron algunos temas con William Goldsmith, Doll y Up in Arms. De acuerdo a Dave Grohl, la batería de Goldsmith tenía buenos momentos, pero su ejecución no siempre calzaba con lo que el ex-Nirvana le había concebido a la mayoría de las canciones, así que el líder de Foo Fighters decidió re-hacer las pistas de batería una a una. Una vez que el bajista Nate Mendel le comunicó a Goldsmith la situación, Grohl le dijo al batero que podía seguir como miembro del grupo, pero el desplazado baterista decidió dejar Foo Fighters. Goldsmith volvió a Sunny Day Real Estate en 1997. Justo cuando terminaron el disco, apareció Taylor Hawkins, quien sería contratado como nuevo baterista. En ese mismo entonces, el guitarrista Pat Smear expresó sus ganas de dejar Foo Fighters, debido a que no se sentía motivado para participar en otra extensa gira.
En Abril 28 de 1997, Foo Fighters liberó un adelanto, Monkey Wrench, que sería el primer single. Éste trata sobre el divorcio de Dave Grohl y Jennifer Youngblood, tras cuatro años de matrimonio. Y en su videoclip, donde los Foo Fighters se encuentran con unos impostores (ellos mismos), aparece por primera vez Taylor Hawkins. El 20 de Mayo de 1997 se lanzó ese segundo disco, The Colour and the Shape, que en rigor es el primero donde el nombre Foo Fighters abarca al grupo y no exclusivamente a Dave Grohl. A pesar de que son estadounidenses, la palabra "Colour" en el título está en inglés británico, en honor a la procedencia de Gil Norton. En Agosto 18 se lanzó el segundo single, Everlong, cuya duración es mayor en el videoclip dirigido por Michel Gondry (4:50 en esta versión contra 4:10 en la del álbum). Ya en 1998, en Enero 19, se lanzó My Hero como tercer single, dedicado a esos héroes comunes y corrientes como los que uno/a encuentra en la calle, motivado por el hecho de que Dave Grohl no tuvo héroes musicales o deportivos en la infancia. El cuarto y último single es Walking After You, que se lanzó en Agosto 17 de 1998, que aparece en otra versión en The X-Files: The Album, la banda sonora de la película. Y la versión de The X-Files para ese single es más corta que la de The Colour and the Shape (4:08 contra 5:03), además de los arreglos distintos.
En 2007, se lanzó una reedición de The Colour and the Shape en honor a su décimo aniversario. Además de las 13 canciones, suma seis bonus tracks, cuatro covers y dos temas inéditos. Los covers son Requiem (Killing Joke), Drive Me Wild (Vanity 6), Down in the Park (Gary Numan con Tubeway Army) y Baker Street (Gerry Rafferty). Los inéditos son Dear Lover (incluido en el CD single japonés y británico de My Hero y en el CD2 de Next Year) y The Colour and the Shape (del CD1 de Monkey Wrench). Un dato: Taylor Hawkins toca batería en tres de esos bonus tracks (Requiem, Drive Me Wild y Baker Street), mientras que Dave Grohl es el batero en los otros tres. Y en el librito que acompaña esta reedición, está el testimonio dado por Nate Mendel en Mayo de 2007, en el mismo año que Foo Fighters grababa su sexto disco (Echoes, Silence, Patience & Grace). En él, el bajista declara "The Colour and the Shape is the band's best album, the bastard", resume lo que fue el trabajo en ese estudio de grabación que procuró Dave Grohl, sin entrar en muchos gastos para otros estudios; y reflexiona sobre la importancia de este segundo disco.
Ahora vamos con la ficha técnica, igual que en el post de Oasis con Be Here Now. En este caso, los enlaces a video oficial corren para Monkey Wrench y My Hero, mientras que en los otros singles, Everlong y Walking After You, va la pista de audio en el álbum, igual que en las otras 9 canciones. Repasemos...
12. Walking After You - 5:03 13. New Way Home - 5:40 (Todos los temas son compuestos por Dave Grohl, Nate Mendel y Pat Smear, salvo tracks 9 y 12 por Dave Grohl)
En resumidas cuentas, The Colour and the Shape es la consagración de Foo Fighters, y el paso que le faltaba a Dave Grohl para dejar de ser considerado sólo como el ex baterista de Nirvana. Su calidad compositiva y la variedad de intensidades en sus canciones lo hacen ser uno de los mejores lanzamientos de 1997, que traspasó dos distintas generaciones de fans (noventeros/as y actuales) de Foo Fighters. Sin duda, son uno de los quince artistas que merecíamos recordar con sus discos del '97 en este especial quinceañero. Y como guinda del pastel, un regalo de 2012: es Everlong en vivo en Lollapalooza Chile, el broche de oro que Dave Grohl y compañía eligieron para cerrar dos horas y media de música ante miles de fans en el Claro-LG Stage del Parque O'Higgins. Disfruten, Foo-fanáticos/as...
Y así damos término al segundo capítulo de los Discos Quinceañeros. En unos días más vuelvo con otro álbum de 1997 que merece un homenaje a una década y media de su lanzamiento. Hasta la próxima!
Nacida en Curicó, residente en Maipú desde los dos años. Ex estudiante de Diseño Industrial, actual Estilista Profesional (titulada el 30/01/2009) y artista amateur en mis ratos libres. Me desempeño como manicurista, ayudante de peluquero y funcionaria de aseo en una Peluquería cercana. Adicta a la música brit, al color rojo y al chocolate; y entusiasta por el Karaoke.
