Un espacio dedicado a lo que vivimos, lo que amamos, lo que odiamos, lo que deseamos y lo que somos todos/as nosotros/as. La realidad de cada persona tal como es.
Qué tal, estimados/as, soy yo retomando la lista de los 15 discos destacados de 1997. En esta edición dejamos al primer artista en español, tras las tres anteriores donde destaqué a Oasis, Foo Fighters y Björk. En este caso, es un grupo mexicano que sacudió a MTV con su actitud políticamente incorrecta, a la vez que desató la ira de los conservadores con la carátula de su disco debut. Pero tras esa imagen de la escolar bajando del auto con sus calzones abajo, hay canciones de contenido social envueltas en fuertes influencias de Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers, un cóctel musical que desafió a la censura y pavimentó exitosamente la carrera de esta banda. En otra edición de Discos Quinceañeros, es la Maldita Molotov con su debut discográfico ¿Dónde Jugarán las Niñas?, de 1997.
El contexto de la música popular mexicana era muy diverso a mediados de los noventas. Por un lado, la industria musical imponía su visión de una juventud alegre y sin rebeldía, desde Maná (los Dorian Gray del pop mexicano) hasta artistas prefabricados como Garibaldi o Paulina Rubio. Por otro lado, MTV ayudó a difundir la otra música mexicana, desde la consagración de Café Tacuba hasta grupos como la Maldita Vecindad o La Lupita. En ese escenario, una banda comenzó a difundirse tras telonear a Héroes del Silencio y a La Lupita: eran los muchachos de Molotov. Esos dos shows fueron su pistoletazo de salida, que mostraron algo nunca antes visto en el rock mexicano. Las temáticas que hablan desde las críticas al gobierno hasta las fiestas y mujeres, la utilización de dos bajos y su fusión de estilos (desde el rap y el rock hasta la cumbia y el funk) son las características que hacen de Molotov la banda que es.
Molotov está formado por Tito Fuentes, en guitarra y voz; Miky Huidobro, en bajo y voz; Paco Ayala, en bajo, acordeón y voz; y el estadounidense Randy Ebright, en batería y voz. Cuando quedaron con esta formación estable, vivían tiempos difíciles, tenían que vender sus cassettes a la salida de los conciertos. Mientras teloneaban a Illya Kuryaki and the Valderramas, un cazatalentos del sello Universal les propuso grabar un disco. Entraron a grabar en Noviembre de 1996, bajo las órdenes de Aníbal Kerpel y Gustavo Santaolalla, una dupla de productores de prestigio, que a la postre producirían los siguientes discos del grupo. En 12 canciones, Molotov combinó funk, metal alternativo, hip-hop y varios estilos con ácidas críticas al gobierno (no sólo mexicano) y alusiones a las fiestas. Este lanzamiento se dio en Marzo de 1997, bajo el nombre ¿Dónde Jugarán las Niñas?, una parodia al disco de Maná ¿Dónde Jugarán los Niños? (1994), y a la vez, alude a la canción Where Will the Children Play (1970) de Cat Stevens.
Como todo entra por la vista, Molotov causó controversia por la portada de su debut: una estudiante bajando de un automóvil con su ropa interior bajada hasta las rodillas, enfundada en uniforme de la Secundaria Diurna del sistema público, incluyendo una faldita corta, y con una edad deducible entre 12 y 15 años. Esta foto de portada, sumada a las temáticas de sus letras, hizo que algunas disquerías se negaran a vender este álbum debut de Molotov. En protesta contra la censura, el grupo salió a vender sus discos en la calle, y en menos de cuatro horas vendieron más de 3000 copias. Así cultivaron una base de fans que crecería a lo largo de su carrera.
El primer single de ¿Dónde Jugarán las Niñas? es Voto Latino, donde aluden a la diversidad cultural en el país, no solamente aplicable a México, y proclaman su odio a la raza asesina, esa que agrede o mata a los grupos étnicos (negros, latinos, etc). Tras éste se lanzó Gimme Tha Power, una crítica al gobierno sobre cómo está manejando la situación con el pueblo. La elección del tercer single no estuvo exenta de polémicas: Puto. La palabra en cuestión ofendió a las minorías sexuales, pero los muchachos de Molotov aluden con este título a la gente floja, que no da un peso ni pizca de voluntad por mejorar su situación. Como cuarto single eligieron Cerdo, una canción que trata sobre un hambriento y robusto personaje que come a destajo lo que sea, desde Big Mac's hasta los bocadillos que le ofrecen gratis en el supermercado. Y también destaca el tema Que No te Haga Bobo Jacobo, donde critican al reportero de TV mexicano Jacobo Zabludovsky, quien se presume que recibió sobornos del presidente Carlos Salinas, para esconder la verdad al pueblo en su noticiero. Molotov no se ahorra palabras para desenmascarar a Jacobo, dejándolo como impostor, charlatán y traidor.
Ahora, el tracklist de rigor, como lo hicimos con los tres discos anteriores. El enlace a video oficial corre para Voto Latino, Gimme Tha Power, Puto y Cerdo, el resto va con su pista de audio en el álbum. Repasemos...
¿DÓNDE JUGARÁN LAS NIÑAS? Molotov
Universal Music
44:36, 1997.
En resumen, nos encontramos con un disco de una honestidad brutal en sus letras, que ha dejado una huella en el rock mexicano y latinoamericano en general. Es un debut muy certero de una de las bandas más importantes del país azteca, un grupo que, como lo dice su nombre, es incombustible. Lo antes expuesto corrobora que este primer trabajo de Tito, Miky, Paco y Randy merece estar entre los 15 discos notables de 1997. Y para coronar este escrito, les dejamos con Molotov interpretando Gimme Tha Power en el Festival de Viña del Mar, en 2004. Disfruten y Viva México Cabrones!
Y así damos por terminada la cuarta entrega de los 15 álbumes destacados en su 15º Aniversario. Ya hemos destacado a Oasis, Foo Fighters, Björk y Molotov. El quinto disco de 1997 está por verse en unos días. Hasta la próxima!
Qué tal, estimados/as, soy yo de nuevo, esta vez con un paréntesis al recuento de discos de 1997. Es a propósito de una efeméride que representa al mundo del cual me siento parte. Vamos viendo...
Hace 28 años, un 20 de Julio de 1984, se estrenó La Venganza de los Nerds, una comedia que satiriza la vida social en un campus universitario. Así lo corrobora su afiche promocional, donde los dos Nerds protagonistas son besados por dos atractivas cheerleaders a la vez que pisotean a los musculosos winners. En esta historia, dos buenos amigos nerds, Lewis Skolnick (Robert Carradine) y Gilbert Lowe (Anthony Edwards) ingresan al Adams College para estudiar Computación. En este entorno sufren la discriminación por parte de los Alpha Betas, un grupo de fraternidad conformado por jugadores de fútbol americano de la escuela, bien musculosos y matonescos. Ante los tratos que reciben el par de nerds y otros socialmente estigmatizados, encuentran una casa abandonada para usarla como su sede de fraternidad.
No solamente los Alpha Betas molestan a los Nerds, también está otra fraternidad llamada Pi Delta Pi, quienes se unen a los matoncitos para segregar a los protagonistas. Gilbert y Lewis no encuentran ninguna fraternidad a la cual unirse. Pero no todo está perdido para los Nerds: conocen a U.N. Jefferson (Bernie Casey), el jefe de la fraternidad Lambda Lambda Lambda (o Tri-Lambs), quien finalmente los acepta en su grupo. La forma de agradecer esa bienvenida es con una fiesta, que resulta ser exitosa gracias a una comunidad de chicas gordas o geeks lideradas por Judy, una acordeonista, y una buena cantidad de marihuana. Y será el primer paso para que los Nerds concreten su venganza contra los grupos que les hacen bullying en ese campus.
Esta reseña de la película es para contextualizar una realidad que se vive en muchas partes, especialmente en los colegios y otros establecimientos educacionales. De partida, no es fácil traducir al español el término Nerd, aunque se le asocia mucho al mateo del curso, al computín, a la estudiosa que no ha besado a nadie, o a quienes son estereotipados injustamente de losers. El o la Nerd, más que ser un estereotipo definido, se debe a su entorno. Siempre está ese grupo de gente que se sabe (o se cree) exitosa, como los galanes y las chicas fashion (o jugadores de fútbol americano y cheerleaders, en la versión estadounidense), que molesta a los/as Nerds porque no tienen cuerpos perfectos, porque no tienen arrastre con el sexo opuesto, porque no son herederos de una millonaria fortuna, por varias razones. Los y las Nerds se sienten más cómodos en ambientes alejados de las fiestas de gente linda, en lugares donde puedan compartir sus intereses con gente similar, o en sus propios hogares.
Si de intereses hablamos, la gente Nerd va por la computación, los libros, las series de TV, las películas o los cómics, entre varios que alimenten su cerebro. Pero igual no todas se incluyen entre sí: un Nerd puede o no ser un experto en computación, pero a los computines se les suele meter en el saco de los Nerds. Los/as Nerds no buscan agradar a quienes les hagan bullying, pero si hay personas que toleren su forma de ser, serán agradecidos/as. Y aunque en las películas suelen ser retratados/as con lentes de marco grueso, los/as Nerds no necesariamente los usan. Eso sí, el Nerd puede ser un hombre o una mujer que no dé con los cánones de belleza tan sobrevalorados, más bien es una persona con algún rasgo distintivo, sea en el rostro o en el resto del cuerpo. Es lo que se llama la belleza oculta o belleza interior, esa que deja traslucir sus actos de buena humanidad.
En la cultura pop, hay varios referentes de Nerds fuera de la exitosa saga. En el cine, la aparición del joven George McFly (Crispin Glover) en Volver al Futuro (1985) podría corresponder a un Nerd, por la manera en que lo trataban los matoncitos del colegio. Pero este buen muchacho, aficionado a escribir historias de ciencia-ficción, dio un giro de tuerca que le cambió su personalidad, bien lo saben quienes vieron la película. En una versión femenina, está Josie Geller (Drew Barrymore), la protagonista de Jamás Besada (1999), quien, a pesar de desempeñar un buen trabajo como editora, nunca recibió un beso en sus años de colegio, además de ser estigmatizada como la fea del curso. Y cuando se infiltra en ese mismo colegio, haciéndose pasar por una joven de 17 años, conoce a Aldys (Leelee Sobieski), una genio que sufre las constantes burlas de las chicas populares. En la música, quien es más catalogado como Nerd es Rivers Cuomo, el vocalista de Weezer, principalmente por su apariencia y sus lentes. Y así podemos dar con varios referentes que se ven como Nerds en sus respectivos entornos.
¿Y por qué tanto interés por el mundo Nerd? Porque yo me considero Nerd. Antes, hace unos 15 ó 16 años, me molestaba ese término. Yo me preocupaba de sacar buenas notas más que de tener una apariencia de mina. Eso sí, no descuidaba (y no descuido) mi higiene personal y el vestuario, bien limpio, bien ordenado y con todo en su lugar. Me cargaban todos los convencionalismos de toda mina (o "niña bien", como decían en los 80's), los jeans apretados, los petos, las minifaldas, los colores fluorescentes o cítricos, los accesorios en el pelo, el maquillaje que hacía parecer adulta joven a una quinceañera, y especialmente, la teleserie Adrenalina. Pero toda esa etapa de negación fue decantando en una afirmación de mi ser, en una búsqueda de identidad musicalizada por Radiohead (la principal banda de mi adolescencia) y apoyada en mis ganas de dibujar. La radio me acompañó en esos tiempos, desde que salí del colegio a los 19 hasta casi los 25 años. Pero lo que más me afirmó ha sido una familia, mayoritariamente femenina, que ha demostrado quererme, sea o no Nerd.
Ahora que pasé de los 30 años y medio, reafirmo que soy Nerd. Lo aprendí de uno de mis héroes musicales, el ya mencionado Rivers Cuomo. Este cantante, quien nació con su pierna izquierda más corta que la derecha (4.4 cms. de diferencia), demostró al mundo que sus lentes, su falta de tatuajes y su vestuario a la antigua podían ser aceptables en el mundo del rock, ese mundo lleno de testosterona, actitud desbordante y chicas sexies. Rivers venció a los pelambres y desarrolló exitosamente su carrera con Weezer, teniendo como puntos altos los homónimos Verde y Azul (1994 y 2001, respectivamente).
Y fue la vida en general lo que ayudó a reafirmarme como Nerd. El mundo no es como lo pintan en la tele o en las películas, no siempre la chica linda se casa con el galán y vive su cuento de hadas. Los Nerds no somos parte del decorado, tenemos sentimientos, podemos sufrir por alguna razón, enamorarnos, desarrollar una relación amorosa, experimentar todo tipo de placer, ser exitosos/as en cualquier arte o trabajo que desee emprender e incluso formar una familia. De verdad sentí que el tiempo y mis convicciones me dieron la razón y encontré a mi pareja sentimental, quien corroboró mi postura ante la vida. Y a diferencia de la película, no inicié ninguna venganza, nadie salió herido, sino que me hice valer como persona.
Todo lo anterior es para generar una propuesta: Como La Venganza de los Nerds fue estrenada un 20 de Julio, quiero proponer este día como el Día del Orgullo Nerd. Hoy, el 2013 y los años que vengan, quiero saludar a toda la gente que se siente Nerd, haya tenido o no su venganza, revancha, segunda oportunidad o como quiera llamarle. No somos losers, somos Nerds!
Y para coronar este escrito, les dejo con el trailer de La Venganza de los Nerds, donde se anuncia que su momento ha llegado. Seamos felices, estimados/as, y hasta la próxima!
Qué tal estimados/as, soy yo de nuevo con otra edición del especial 1997. El tercer álbum en ser reseñado es el cuarto de una cantante muy inclasificable en su estilo. Lejos de su debut discográfico nacional en 1977, de su carrera con The Sugarcubes y de sus dos discos noventeros de dance alternativo, ella quiso dar un paso más adelante con esta producción. En ese entonces tenía 31 años y las ideas muy claras sobre la dirección musical que deseaba tomar en el '97, una perfecta combinación de electrónica y arreglos orquestados con cuerdas. Y la carátula siguió la lógica de sus dos anteriores: no necesitaba poner su nombre en la portada, ya la reconocemos al ver el rostro de esta islandesa que parece no envejecer, ataviada con un traje de guerrera oriental y dos grandes moños en su cabeza. Sí, gente, en una edición de Discos Quinceañeros, presentamos a Björk con su álbum Homogenic.
Era 1996 y Björk estaba finalizando el exitoso tour de su disco Post, ése que trajo al mundo hits como Army of Me, It's Oh So Quiet y Hyperballad, entre otros. Tras esto, la cantante halló urgente volver a su hogar en Maida Vale, al sur de Londres, para escribir nuevas canciones a modo de terapia. Para este propósito, invitó a su casa al ingeniero de sonido Markus Dravs (James, David Byrne, Arcade Fire) para crear estas canciones. Björk le dio total libertad a Dravs con cualquier sugerencia que le ayude a dar forma a estas grabaciones, y estuvieron tan inspirados en esta creación que la islandesa dejaba el estudio sólo para cocinar para ambos. Pero la tranquilidad de estas sesiones se alteró con la atención que los medios le dieron al incidente que afectó a Björk: un fan obsesivo, Ricardo López, le había enviado una carta-bomba a su hogar en Londres en 1996, hecho que terminaría con la Policía Metropolitana londinense interceptando el objetivo y con Ricardo suicidándose. Esto casi sumió en una depresión a la cantante, pero le inspiró una canción, So Broken, que estaría en la edición japonesa del disco de 1997. Björk necesitaba más privacidad para crear este álbum, y fue su baterista de tour, Trevor Morais, quien le ofreció su estudio en Málaga, España, llamado El Cortijo. Y de paso, se alejaría de la escena londinense y renegaría de esa linda imagen pop que vimos en videos como Big Time Sensuality o I Miss You.
Ya instalada en Málaga, concertó un encuentro con el guitarrista de flamenco Raimundo Amador. Inicialmente la cantante estaría por muy poco tiempo en Málaga, pero después decidió grabar la totalidad del álbum en esta ciudad. Se dio un tiempo para dejar España de forma temporal y promocionar el disco de remixes Telegram, en una gira de dos semanas. De vuelta a la Madre Patria, Björk decidió que no contaría más con el productor Nellee Hooper, el responsable de Debut y Post. ¿Razones? "Ya dejamos de sorprendernos el uno al otro", en palabras de la intérprete de Army of Me. Tras intentar producir sola el álbum, abandonó la idea y reunió a un grupo de colaboradores cercanos, incluyendo a Markus Dravs, Howie B (el músico y productor Howard Bernstein, quien había trabajado en Debut y Post), Guy Sigsworth (quien tocó clavecín en Post) y Mark Bell (del grupo LFO). Con este equipo de productores armó la parte electrónica del disco. La otra parte, las cuerdas, se agregó en el proceso de grabación. El compositor brasileño Eumir Deodato es el encargado de dirigir la orquesta y armar piezas que ella no podía componer por su cuenta, y el conjunto elegido es el Octeto de Cuerdas de Islandia, acorde con la esencia de la cantante.
Lo que inspiró a Björk antes de la producción de este disco fue su natal Islandia. Ella lo explica con la dualidad entre la naturaleza y la tecnología, los fenómenos naturales incontrolables (géiseres, volcanes, terremotos) versus la gente que posee un computador (en ese entonces, un número más elevado de usuarios/as que en otros países del mundo). El rango vocal de la islandesa va desde los gritos primitivos hasta el método tradicional de canto empleado por coros masculinos de su país. En las letras, las temáticas recurrentes son el amor y las relaciones fallidas. Prueba de esto es All Is Full Of Love, que explica así: "El amor no es solamente entre dos personas. Está alrededor de ustedes". En la otra arista, la canción Immature fue escrita sobre los errores que Björk tuvo en relaciones anteriores, después de la ruptura con el músico Goldie. Y todas esas temáticas tratadas en Homogenic, este cuarto álbum (y tercero de los 90's) son reflejadas en la carátula, donde la artista luce un traje diseñado por Alexander McQueen (1969-2010). La idea que dio Björk a McQueen es que la persona que escribió estas canciones "tuvo que volverse guerrera. Una guerrera que tuvo que pelear no con armas, sino con amor".
El 22 de Septiembre de 1997 se lanzó el álbum Homogenic, bajo etiqueta One Little Indian. Esa misma fecha apareció el primer single, Jóga, una oda a Islandia que combina elementos de electrónica con estilos barroco y clásico. El segundo single es Bachelorette, lanzado en Diciembre 8 de 1997, escrito por Björk y el poeta islandés Sjón (con quien escribió Jóga), que originalmente iba para una película de Bernardo Bertolucci. La temática de este sencillo está concebida como la continuación de la trilogía iniciada por Human Behaviour e Isobel, de los anteriores discos. En Marzo 24 de 1998 se lanzó el tercer single, Hunter, caracterizado por esos redobles que suenan desde el comienzo, junto con los violines que le aportan una atmósfera de misterio. El cuarto single es Alarm Call, lanzado en Noviembre 30 de 1998, que rompe con la estática de cuerdas vs. beats volcánicos. En su video oficial, aparece este Radio Mix por Mark Bell y Andy Bradfield (3:52, más corta que en el álbum). Con All Is Full of Love termina la serie de singles del Homogenic. Este quinto sencillo tuvo dos lanzamientos: en Noviembre 1 de 1998 se liberó la versión remezclada por el dúo alemán Funkstörung (en el tracklist aparece como "Howie's Version") y en Junio 7 de 1999 se lanzó la versión original, con arreglos de orquesta y clavecín por Guy Sigsworth. Esta última es la que aparece en su video oficial y en el soundtrack de la película Stigmata (1999).
Y como es la costumbre, como con los álbumes de Oasis y Foo Fighters ya reseñados, vamos revisando el tracklist del disco. Los enlaces a video oficial corren para Hunter (modificando extensión del video con la pista original del álbum), Jóga, Unravel, Bachelorette y Pluto. En el caso de Alarm Call y de All Is Full of Love, está la pista de audio igual que en el resto del álbum. Repasemos...
Las críticas a Homogenic han sido muy favorables desde su lanzamiento. Se le ha concebido como una obra maestra de Björk, una joya de la electrónica de 1997. Sólo por citar a un crítico, Sal Cinquemani de Slant Magazine: "Si no es el álbum más grande de la electrónica, es ciertamente el mejor de su década". Desde Islandia con mucha dedicación, es el disco que merece un lugar entre los 15 destacados de 1997, en su década y media de aniversario. Y para coronar esta reseña, les dejamos con una joyita en vivo: es Björk, con orquesta y todo, intepretando Jóga en el Royal Opera House. Disfruten, estimados/as...
Y con esto doy por cerrado el tercer post de los Discos Quinceañeros. Ya pasaron Oasis, Foo Fighters y Björk, ¿quién sería el cuarto? Lo revelaré en el siguiente artículo, en poco más de una semana (me tomo un paréntesis con otro tema). Hasta la próxima, estimados/as.
Qué tal, estimados/as, soy yo de nuevo recordando discos de 1997. El segundo en ser repasado es la segunda producción de una banda estadounidense. Es lo que vino tras el proyecto que un hombre solitario emprendió dos años antes, haciéndose cargo de todos los instrumentos. En 1997 ya no estaba solo, había reunido a unos músicos tras el anterior lanzamiento para tocar en vivo y armó junto a ellos el sucesor de ese debut. Unas bolitas plateadas sobre un fondo azul y el nombre de la banda en rojo (con las estilizadas FF) son los elementos que componen su carátula, tras la cual hay 13 canciones que hasta ahora elevan a ese álbum como el mejor de este grupo. En otra edición de Discos Quinceañeros, es Foo Fighters con su producción The Colour and the Shape.
Ese hombre solitario es Dave Grohl, quien se encontraba muy deprimido tras la muerte de su ex-compañero de Nirvana, Kurt Cobain. En un momento dudó en seguir componiendo música, pero recibió el empuje para seguir adelante. Antes de la separación de Nirvana, Dave había escrito algunas canciones que terminaron en el disco debut que él grabó bajo el nombre Foo Fighters, identidad utilizada para ocultar la propia. Este nombre es el término que emplean los pilotos de la Segunda Guerra Mundial para describir los OVNIs, y refleja la obsesión del músico por la ciencia ficción. Para el primer disco, Dave grabó sus guitarras, voz, bajo y batería, salvo el aporte de guitarra por Greg Dulli (The Afghan Whigs, The Gutter Twins) en la canción X-Static. Para promocionarlo, el ahora cantante y guitarrista se hizo acompañar por el bajista Nate Mendel (quien se había salido de Sunny Day Real Estate), el guitarrista Pat Smear (nombre artístico de George Ruthenberg, quien tocó con Nirvana en su Unplugged) y el baterista William Goldsmith (también de Sunny Day Real Estate). Cuando ya venían las grabaciones del siguiente álbum, el nombre Foo Fighters ya comprendió a la totalidad de los músicos. Empieza un capítulo nuevo para Dave Grohl y los suyos...
Dave Grohl ya estaba decidido a volver al estudio, y su motivación fue "No queremos que la gente sienta que (Foo Fighters) es sólo otra banda paralela". El productor elegido es Gil Norton, quien había trabajado con Pixies. Las canciones de lo que sería ese nuevo álbum fueron compuestas durante las pruebas de sonido que tenía la banda en los últimos 18 meses de gira. En el intertanto, y en un tema más personal, Dave Grohl se había separado de su primera esposa, la fotógrafa Jennifer Youngblood. Después de dos semanas de búsqueda, durante las cuales Norton y Grohl "descomponían las canciones a lo absolutamente básico" en la habitación de hotel del músico, iniciaron grabaciones en los Bear Creek Studios en Woodinville, Washington, un 18 de Noviembre de 1996.
Donde más notaron que debía mejorarse el trabajo fue en la batería, del cual sólo quedaron algunos temas con William Goldsmith, Doll y Up in Arms. De acuerdo a Dave Grohl, la batería de Goldsmith tenía buenos momentos, pero su ejecución no siempre calzaba con lo que el ex-Nirvana le había concebido a la mayoría de las canciones, así que el líder de Foo Fighters decidió re-hacer las pistas de batería una a una. Una vez que el bajista Nate Mendel le comunicó a Goldsmith la situación, Grohl le dijo al batero que podía seguir como miembro del grupo, pero el desplazado baterista decidió dejar Foo Fighters. Goldsmith volvió a Sunny Day Real Estate en 1997. Justo cuando terminaron el disco, apareció Taylor Hawkins, quien sería contratado como nuevo baterista. En ese mismo entonces, el guitarrista Pat Smear expresó sus ganas de dejar Foo Fighters, debido a que no se sentía motivado para participar en otra extensa gira.
En Abril 28 de 1997, Foo Fighters liberó un adelanto, Monkey Wrench, que sería el primer single. Éste trata sobre el divorcio de Dave Grohl y Jennifer Youngblood, tras cuatro años de matrimonio. Y en su videoclip, donde los Foo Fighters se encuentran con unos impostores (ellos mismos), aparece por primera vez Taylor Hawkins. El 20 de Mayo de 1997 se lanzó ese segundo disco, The Colour and the Shape, que en rigor es el primero donde el nombre Foo Fighters abarca al grupo y no exclusivamente a Dave Grohl. A pesar de que son estadounidenses, la palabra "Colour" en el título está en inglés británico, en honor a la procedencia de Gil Norton. En Agosto 18 se lanzó el segundo single, Everlong, cuya duración es mayor en el videoclip dirigido por Michel Gondry (4:50 en esta versión contra 4:10 en la del álbum). Ya en 1998, en Enero 19, se lanzó My Hero como tercer single, dedicado a esos héroes comunes y corrientes como los que uno/a encuentra en la calle, motivado por el hecho de que Dave Grohl no tuvo héroes musicales o deportivos en la infancia. El cuarto y último single es Walking After You, que se lanzó en Agosto 17 de 1998, que aparece en otra versión en The X-Files: The Album, la banda sonora de la película. Y la versión de The X-Files para ese single es más corta que la de The Colour and the Shape (4:08 contra 5:03), además de los arreglos distintos.
En 2007, se lanzó una reedición de The Colour and the Shape en honor a su décimo aniversario. Además de las 13 canciones, suma seis bonus tracks, cuatro covers y dos temas inéditos. Los covers son Requiem (Killing Joke), Drive Me Wild (Vanity 6), Down in the Park (Gary Numan con Tubeway Army) y Baker Street (Gerry Rafferty). Los inéditos son Dear Lover (incluido en el CD single japonés y británico de My Hero y en el CD2 de Next Year) y The Colour and the Shape (del CD1 de Monkey Wrench). Un dato: Taylor Hawkins toca batería en tres de esos bonus tracks (Requiem, Drive Me Wild y Baker Street), mientras que Dave Grohl es el batero en los otros tres. Y en el librito que acompaña esta reedición, está el testimonio dado por Nate Mendel en Mayo de 2007, en el mismo año que Foo Fighters grababa su sexto disco (Echoes, Silence, Patience & Grace). En él, el bajista declara "The Colour and the Shape is the band's best album, the bastard", resume lo que fue el trabajo en ese estudio de grabación que procuró Dave Grohl, sin entrar en muchos gastos para otros estudios; y reflexiona sobre la importancia de este segundo disco.
Ahora vamos con la ficha técnica, igual que en el post de Oasis con Be Here Now. En este caso, los enlaces a video oficial corren para Monkey Wrench y My Hero, mientras que en los otros singles, Everlong y Walking After You, va la pista de audio en el álbum, igual que en las otras 9 canciones. Repasemos...
12. Walking After You - 5:03 13. New Way Home - 5:40 (Todos los temas son compuestos por Dave Grohl, Nate Mendel y Pat Smear, salvo tracks 9 y 12 por Dave Grohl)
En resumidas cuentas, The Colour and the Shape es la consagración de Foo Fighters, y el paso que le faltaba a Dave Grohl para dejar de ser considerado sólo como el ex baterista de Nirvana. Su calidad compositiva y la variedad de intensidades en sus canciones lo hacen ser uno de los mejores lanzamientos de 1997, que traspasó dos distintas generaciones de fans (noventeros/as y actuales) de Foo Fighters. Sin duda, son uno de los quince artistas que merecíamos recordar con sus discos del '97 en este especial quinceañero. Y como guinda del pastel, un regalo de 2012: es Everlong en vivo en Lollapalooza Chile, el broche de oro que Dave Grohl y compañía eligieron para cerrar dos horas y media de música ante miles de fans en el Claro-LG Stage del Parque O'Higgins. Disfruten, Foo-fanáticos/as...
Y así damos término al segundo capítulo de los Discos Quinceañeros. En unos días más vuelvo con otro álbum de 1997 que merece un homenaje a una década y media de su lanzamiento. Hasta la próxima!
Qué tal, estimados/as, soy yo inaugurando el especial de 1997 con una reseña musical. El primer disco en ser reseñado es el tercero de una banda de Manchester, que fue muy esperado tanto por la fanaticada como por la crítica. Se dijo en su momento que fue un cambio radical con respecto a los dos anteriores, que éste definiría qué tan fanático o fanática se es del grupo. Pues bien, las certificaciones de ventas y los #1's en los rankings de discos le dieron la razón. Su portada es reconocida por la imagen de la banda afuera de un hotel, un Rolls Royce flotando en una piscina y un reloj sin manecillas. En una edición de nuestros Discos Quinceañeros, es Oasis con su producción Be Here Now.
En el verano de 1996, Noel Gallagher, guitarrista y líder de Oasis, se dio la osadía de declarar que su banda era "la más grande del mundo", incluso "más grande que Dios". Oasis ya estaba en el peak de popularidad con las ventas de sus dos álbumes, Definitely Maybe (1994) y (What's the Story) Morning Glory? (1995), y en cualquier momento podrían haber presiones que significaran un espaldarazo al quinteto de Manchester. En el invierno anterior, Noel sufrió de bloqueo creativo, traducido en los seis meses posteriores al lanzamiento de (What's the Story) Morning Glory?, donde no había hecho más que un riff de guitarra en ese período. Más tarde, el compositor superó ese bloqueo imponiéndose una rutina de escribir canciones después de cada comida y antes de ir a dormir. Pero en general habían tensiones entre los hermanos, especialmente el comportamiento del cantante Liam Gallagher durante un MTV Unplugged (se rehusó a aparecer) y las amenazas de Noel de dejar el grupo. Finalmente, Noel retomó el trabajo con Oasis, y con una buena cantidad de demos, decidieron que era hora de grabar lo antes posible. Por ese entonces, Oasis contaba con los hermanos Gallagher, Paul "Bonehead" Arthurs en guitarras rítmica y acústica, Paul McGuigan en bajo y Alan White en batería.
La banda entró a los estudios Abbey Road en Londres, e inició grabaciones en Octubre 7 de 1996. Pero Oasis estaba sintiendo muy de cerca las presiones de la prensa amarillista, más preocupada en publicar el último escándalo de Liam Gallagher que en lo netamente musical. Un mes después, se relocalizaron en los Ridge Farm Studios en Surrey, una localidad más rural. Owen Morris supervisaba la producción del disco, y notó en un comienzo que el material nuevo estaba muy débil, además del hecho de que Noel no estaba presente en las tomas vocales de Liam. Durante la etapa de mezcla, Alan McGee, dueño de Creation Records y descubridor del grupo, visitó el estudio y pudo comprobar que Morris estaba fuera de control. En lo musical, ya habían algunas diferencias con la producción de los dos primeros álbumes de Oasis, como por ejemplo, varias canciones eran más extensas que las de esos discos (D'You Know What I Mean?, con una coda que la extiende por ocho minutos), cambios de escala (All Around the World) y varias pistas de guitarra superpuestas. Todo estaba tomando forma para la posterior promoción y lanzamiento del disco...
La elección de D'You Know What I Mean como su carta de presentación rompió la lógica del primer single. Oasis, y especialmente Noel Gallagher, no iba a entregar un similar a Wonderwall o Don't Look Back in Anger como la primera canción en darse a conocer de este nuevo lanzamiento. Esta canción, lanzada en Julio 7 de 1997, desafió a la gente de Creation Records y de Ignition Management (representantes del grupo) con sus 7 minutos y 42 segundos de duración, la experimentación de Noel en guitarra y una larga introducción con un sonido de código Morse. Las ventas le dieron la razón: vendió 162 mil copias en el primer día en las tiendas, 370 mil en la primera semana y escaló al #12 de los singles más vendidos de 1997. El esperado tercer álbum de Oasis, llamado Be Here Now, se lanzó en Agosto 21 de 1997, y vendió más de un millón de copias en las dos primeras semanas. Los Gallagher y compañía siguieron en lo alto de su popularidad.
El segundo single de Be Here Now, Stand By Me, llegó al #2 de las listas del Reino Unido, sólo superada por Candle in the Wind 1997, la re-versión que Elton John escribió en honor a la Princesa Diana de Gales, fallecida en Agosto 31 de ese año. Pese a esto, Stand By Me lleva el status de Disco de Oro entre los singles más vendidos de 1997. Ya en 1998, se lanzó el tercer single, All Around the World, que se convirtió en el single más extenso en ser superventas en el UK (9:38 dura la versión del single, 18 segundos más que la del álbum), y lleva una coda (reprise) dos tracks después, con un sonido de portazo que Noel describe como "el final de la era Brit Pop de Oasis". El cuarto y último single de Be Here Now es Don't Go Away, que llegó a ser un éxito en EE.UU., rankeando en el #5 del Billboard Hot Modern Rock Tracks. Según Noel, "es una canción muy triste sobre no querer perder a alguien que tienes cerca". Y una curiosidad: quien toca slide guitar en Fade In-Out es nada menos que el actor Johnny Depp.
Mención aparte merece la carátula que adjunto en este escrito. La locación es Stocks House, en Hertfordshire, la anterior casa de Victor Lownes, quien fuera la cabeza de Playboy Clubs en el Reino Unido hasta 1981. El fotógrafo a cargo de la imagen es Michael Spencer Johns, y en la portada se ven a los integrantes de Oasis fuera de la mansión del siglo XVIII, junto a algunos elementos, como una motoneta roja al lado de Liam Gallagher, una vitrola, un reloj sin manecillas y el Rolls Royce emergiendo desde el fondo de la piscina. En palabras de Spencer, "es Alicia en el País de las Maravillas encontrándose con Apocalipsis Now". Un dato: El Rolls Royce es sugerencia de Paul Arthurs.
Sin duda, Be Here Now fue uno de los imprescindibles de 1997. No pasó inadvertido, desafió la lógica del primer single, consagró a Noel Gallagher como uno de los mejores compositores de los 90's salidos del Reino Unido y a su hermano Liam como el rockstar británico de la clase obrera. Todo esto, complementado con la base de Paul Arthurs, Paul McGuigan y Alan White, que realzan el trabajo de los hermanos más famosos de la era del Brit Pop. Oasis ya no está en carrera, y los Gallagher están en caminos separados (Beady Eye y Noel Gallagher's High Flying Birds), pero el disco queda para las futuras generaciones, tan fresco y sincero como hace 15 años.
Ahora, la ficha técnica de rigor, como la daré a conocer al final de cada escrito, con nombre de álbum, artista, sello, duración del disco y año. Y un detalle: cada título está linkeado a su pista de audio o video oficial (PD: en el caso de All Around the World, está el video oficial, no la versión del single o del álbum). Repasemos... BE HERE NOW
Y bien, pues, sería la primera reseña de un disco de 1997. Tras éste, vendrán las demás 14 de lo mejor de ese año. Y como broche de oro, destaco una presentación en vivo relacionada al disco ya expuesto. En este caso, es Oasis tocando D'You Know What I Mean? en vivo en el Budokan, 1998. Disfrútenlo, Oasis-adictos y adictas, y recordemos esos buenos tiempos.
Sería todo por ahora, estimados/as. Hasta la próxima!
Nacida en Curicó, residente en Maipú desde los dos años. Ex estudiante de Diseño Industrial, actual Estilista Profesional (titulada el 30/01/2009) y artista amateur en mis ratos libres. Me desempeño como manicurista, ayudante de peluquero y funcionaria de aseo en una Peluquería cercana. Adicta a la música brit, al color rojo y al chocolate; y entusiasta por el Karaoke.
